Set the Controls for the Heart of the Sun

Mussorgsky, Ravel y Emerson, Lake and Palmer - Cuadros de una exposición

2012-01-13T11:54:00.000+01:00

Quizás os resulte extraño que catalogue como disco "Cuadros de una exposición"... y más aún que incluya a dos compositores clásicos diferentes y a Emerson Lake and Palmer, rock progresivo. Pero todo tiene una explicación.

Hemos de remontarnos a 1873, año en el que el pintor, arquitecto y escultor, Viktor Hartmann fallece antes de alcanzar los 40 años de edad. Un año siguiente, en 1874, más de 400 trabajos del artista ruso se exponen en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. Para el que no lo conozca, decir que las pinturas y las ilustraciones de Hartmann calaron hondo en la arquitectura rusa, y gracias a él se desarolló un importante estilo arquitectónico que, a día de hoy podríamos considerar como puramente ruso.

Modést Mussorgsky, el célebre compositor ruso, era íntimo amigo de Hartmann, y tras acudir a la exposición de las obras en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo, decidió crear la suite que da nombre al hilo, cuadros de una exposición.
Sobre Mussorgsky hay que destacar que fue toda una revolución para la música rusa, ya que él, junto al conocido como "grupo de los cinco", compuesto por Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Kórsakov, Aleksandr Bordodín, César Cui y el propio Mussorsgky, trataron de cambiar la música rusa y hacerla suya, quitando en medida de lo posible toda influencia europea.
Seguro, que por extraño que os resulte el nombre, todo el mundo conoce al menos una pieza de Mussorgsky: Una noche en el monte pelado (Night on the Bald Mountain), que, entre otros sitios, se puede escuchar en la magnífica pelicula de Disney Fantasía

Mussorgsky no es un compositor complicado. Su música, mayormente compuesta para piano, es realista y sin sobrecargas. Las melodías se centran en narrar, puesto que la melodía principal de sus composiciones parece imitar siempre la palabra hablada. Pese al realismo y la "sencillez" de la que hablamos, el ruso es capaz de crear atmósferas sencillas pero efectivas.
Cuadros de una exposición (Suite Hartmann) es considerada por muchos expertos como la gran obra de Mussorgsky. Mussorgsky dejó parte de su alma en ella, y testimonios de la época aseguran que el tiempo que dedicó a su composición fue casi enfermizo, sin apenas comer, beber ni dormir. Pese al tiempo y la dedicación, Mussorgsky no llegó a publicar su trabajo en vida, ya que no fue publicado tras cinco años de su muerte, en 1886.

Muchos son los que aseguran que Cuadros de una exposición habría pasado inadvertida ante los ojos de la historia si, en el siglo XX, un compositor francés no se hubiera fijado en ella.
Maurice Ravel tomó la obra de Mussorgsky y la orquestó, pues Mussorgsky la compuso única y exclusivamente para piano. La sencillez del piano quedó adornada con unas composciones exquisitas de vientos, metales y cuerdas que acompañaban a la voz principal del piano. De hecho, pese a que la adaptación es muy fiel en la linea, casi todas las adaptaciones que escuchemos de Cuadros de una exposición estarán más basadas en la adaptación de Ravel que en la del autor original.
Ravel, es mucho más conocido por ser un compositor mucho más actual. Obviamente, no sólo es un arreglista brillante, sino que es un compositor fabuloso. Pondría la mano en el fuego a que todo el mundo ha escuchado el famoso Bolero de Ravel.

Y, finalmente, cuando la música clásica quedaba ya aparcada en un segundo plano, cada vez más alejado de la juventud, las tendencias y los medios, uno de los grupos estrella de los 70s, Emerson, Lake and Palmer retomaba la obra Cuadros de una Exposición y, Mussorgsky estaría realmente orgulloso, pues su homenaje a su amigo Hartmann, ha sido recordado, ha sido admirado y respetado en tres épocas totalmente distintas: S. XIX, S. XX y S. XXI
Para el que no conozca a Emerson, Lake and Palmer, y puesto que lo he hecho con los dos compositores clásicos, un regalito.

CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN

Desconozco qué hizo a Mussorgsky seleccionar estos cuadros y no otros. Mussorgsky tenía en su propiedad varios cuadros del artista (que cedió para le exposición en honor a su amigo), pero no sé cierto si la obra la hizo para los cuadros que él poseía o bien para sus cuadros favoritos o que consideraba más representativos.
Lamentablemente, no se conservan todos los cuadros que Mussorgsky seleccionó, por lo que en muchos cuadros, tenemos que fiarnos del trabajo descriptivo de la música (obviamente, también de una pequeña descripción de la pintura) para ver el cuadro.

1. Promenade
2. Gnomus
3. Promenade
4. The Old Castle
5. Promenade
6. Tuileries
7. Bydlo
8. Promenade
9. Ballet of the Chickens in their Shells
10. Samuel Goldenburg & Schmuyle
11. The Market Place at Limoges
12. Catacombae
13. Cum Mortuis in Lingua Mortua
14. The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)
15. The Great Gate at Kiev

Promenade, obviamente, no es uno de los cuadros de Hartmann. Aparece en diferentes momentos de la suite, y aunque siempre parece sonar igual, presenta ligeras variaciones dependiendo del momento de la suite. Se encuentra al inicio, y nos da la bienvenida para dirigir nuestros pasos al interior de la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. También se encuentra en diferentes momentos de la suite, como bien hemos dicho, sirviendo de tránsito para ir de un cuadro a otro. Nos transmite la solemnidad del edificio, la solemnidad de los pasillos que recorreremos para caminar de una pintura a otra.
Mussorgsky hizo Promenade sencilla, para piano, y Ravel dejó de lado completamente el piano para centrar todo el protagonismo del avance en el fagot y en una cama de cuerdas que la da mucha más sobriedad al tema. ELP dejan que los sintetizadores de Keith lleven todo el peso del tema y que la batería Palmer acentúe partes puntuales.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Gnomus es el primer cuadro que la obra de Mussorgsky narra con música... y también es el primer cuadro perdido.
Se dice que Gnomus era un cascanueces con forma de gnomo de dientes afilados. La música es bastante inquietante, por lo que nos hace imaginar que el cuadro de Hartmann representaría a un ser con alma malvada.
Mussorgsky hizo un trabajo excelente con este tema... pero la versión orquestada de Ravel le da un aire mucho más tétrico con las cuerdas poniendonos en tensión y el pesado metal haciendonos sentir que en cualquier momento, el gnomo que Hartmann dibujó nos va a aparecer detrás. La versión de ELP es menos misteriosa quizás que la de Ravel, pero, en cambio, suena mucho más peligrosa, como sacada de una pelicula de terror.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Il vecchio castello (The old castle): Otro cuadro perdido... Este cuadro representaba un viejo castillo medieval, posiblemente con aires orientales, y, bajo uno de sus balcones, destaca la figura de un trovador. La pieza transmite una profunda tristeza. Quizás Mussorgsky se ve reflejado en el trovador, que llora con su lira ante los pies de una edificación de su amigo arquitecto.
En esta pieza, destaca sobre todo (a mi gusto, por supuesto) la versión original con el piano. Queda mucho más intima, más personal... y en la versión orquestada de Ravel, pese a que coge un color más llamativo, obviamente se pierde la mágia. Y bueno... la versión en directo de ELP es muy grande, pero lejos, muy lejos de la composición original o de lo que la obra buscaba transmitir en esta pieza.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Tuileries, como no, también se ha perdido. El cuadro nos mostraba una vista del Jardín de las Tullerías, en París, en el que aparecían un numeroso grupo de niños jugando en el.
Mussorgsky hace una pieza corta y alegre, que quizás quede algo sosa sólo con el piano. En cambio, Ravel le da una viveza y una brillantez a la pieza al poner la voz principal a las flautas, flautines y clarinetes.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Bydlo Otro cuadro perdido, si... Bydio, es una palabra de origen polaco utilizada para referirse a un carro tirado por un buey.
Mussorgsky compuso esta pieza para tocar de forma pesada con el piano (simbolizando el esfuerzo y el cansancio del animal) e ir incrementando su intensidad a mitad de la canción para dar la sensación de que la carreta se ha aproximado hacia nosotros... para ir bajando progresivamente la intensidad y que sintamos que se aleja. Ravel, muy acertadamente, le da el protagonismo a la tuba para simbolizar el bydlo.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Ballet de los polluelos en sus cascarones. Este cuadro si se conserva.

Este cuadro es un boceto de unos diseños que Hartmann realizó para un ballet.
Mussorgsky compone una pieza muy dinámica, en la que los toques del piano nos hace imaginar a los pollitos dando saltitos, cayendo e intentando ponerse en pie aún con el cascarón encima. Ravel decide recrear este divertido momento a base de violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Samuel Goldenburg & Schmuyle: También se conserva este cuadro... estos dos cuadros.

Son dos cuadros diferentes, que representan a dos judíos diferentes. El judío de la izquierda es pobre, y el de la derecha, rico.
Mussorgsky hace un elaborado tema, que, pese a su escasa duración, está dividido en varias partes. Una, con un ritmo, se refiere al rico, otra, con otro ritmo, al pobre... y luego, los dos ritmos se juntan. Ravel, en su orquestación, asigna unos instrumentos a cada personaje: las cuerdas para el judio rico, y una trompetilla para el pobre.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Market Place at Limoges Este si está perdido... El cuadro representaba el mercado de la plaza de la ciudad francesa de Limoges. En el mercado, había un gran gentío, sobre todo mujeres que conversaban, compraban o discutian.
Mussorgsky crió un tema con un ritmo frenético que nos transmite el jaleo propio de un mercado. Ravel le da muchísima más credibilidad al mercado, con una cantidad de instrumentos haciendo de distintas voces cabalgando al ritmo frenético que imponen los violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Catacombae

Las tres figuras representadas en el cuadro son el propio Hartmann con un amigo y el guía, que les conduce a través de las catacumbas romanas de París.
Mussorgsky, para representar el cuadro, concede tanta importancia a los acordes firmes, como al silencio. Es una pieza enigmática e inquietante, sin lugar a dudas. Ravel vuelve a hacer mágia, y los acordes de viento metal logran un sonido mucho más inquietante y misterioso.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Cum Mortuis in Lingua Mortua es la segunda parte de las catacumbas... vamos, que describe el mismo cuadro.
Mussorgsky, pese a que sigue con un toque ciertamente misterioso, baja la intensidad de la obra, pero mantiene el enigmatismo de las profundidas de las catacumbas.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)

El cuadro era un boceto para el diseño de un reloj inspirado en la historia de la bruja Baba Yaga.
Baba Yaga es el hombre del saco, el coco ruso. Los padres amenazaban a los niños rusos con que si se portaban mal, vendría la bruja Baba Yaga a devorarlos, pues la mitología eslava afirma que Baba Yaga se alimenta de niños. Lo más curioso de la bruja, es su medio de transporte: Una cabaña que, para desplazarse, extiende unas enormes patas y es capaz de andar. Baba Yaga, con sus poderosos hechizos, podía controlar a este mágica casa y viajar de un lado a otro en su interior.
Mussorgsky y su piano logran una pieza muy elaborada, pesada, que describe el pesado caminar de la casa, y logra también un aire misterioso y peligroso para plasmar al supuesto habitante de la casa. Ravel y su orquesta, añade el elemento de la percusión para resaltar las pisadas. Emerson, Lake and Palmer hacen también una fabulosa adaptación, con unas partes muy tétricas y otras muy psicodélicas... y incluyen la novedad de añadir un pequeño fragmento vocal.

Versión Mussorgsky
Versión Emerson, Lake and Palmer

The great gate at Kiev

Este cuadro es un diseño para una puerta que se podría haber construido realmente. El Zar Alejandro II salió ileso de un intento de asesinato, y convocó una especie de concurso para arquitectos para edificar por toda Rusia cantidad de iglesias y monumentos. En el centro de Kiev se iba a edificar una gran puerta... y esa puerta iba a ser la del cuadro de Hartmann. Finalmente, no se llegó a realizar.
También cabe destacar, que el titulo original del cuadro es La puerta de los bogatyr y es otra clara alusión a la cultura rusa. Un bogatyr es un caballero medieval ruso, un héroe... y existen cantidad de poemas épicos y escritos sobre algunos bogatyr.
Tanto Mussorgsky como Ravel hicieron un estupendo trabajo, pues esta, sin lugar a dudas, es mi pieza favorita.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel (junto al tema anterior "Baba Yaga"

I Aniversario del blog

2011-11-19T16:53:00.000+01:00

Os podrá parecer una entrada absurda, teniendo en cuenta lo poco que se actualiza Set the Controls for the Heart of the Sun.
Pero hoy hace un año exactamente que este blog publicó su primera entrada Welcome to the Machine, así que estamos de cumpleaños.

Durante este año, Set the Controls for the Heart of the Sun ha alcanzado las 8200 visitas, todo un gran logro para un blog tan pequeñito como este... gracias, sobre todo, a Pink Floyd, el grupo cuya canción Set the controls for the heart of the Sun da nombre al blog. La entrada Pink Floyd - The Wall alcanza las 3376 visitas, mientras que las dos partes de la Crónica que realicé sobre el concierto de Roger Waters en Madrid (parte I y parte II) suman entre ellas más de 500 visitas. Son números bastante importantes, para un triste blog que sólo cuenta con 17 entradas, asi que no os imaginais lo feliz que me hace. Quizás, algún día, este blog alcance el mismo número de visitas (21811) y participación que alcanzó mi antiguo blog en la coctelera Lady Sekhmet - La coctelera .

Para el segundo año del blog, prometo que seguirán habiendo muchas joyitas, grandes y conocidos grupos pero también muchos desconocidos y modestos, así como crónicas de todos los conciertos que mi economía me permita asistir... y música, bien sean canciones, noticias, anécdotas o curiosidades.

Muchísimas gracias a todos los que visitais el blog a menudo... y también a todos los que lo han visitado alguna vez, aunque solo haya sido una.
Por todos vosotros, el gran tema que da titulo a este espacio... en su versión en para el Live at Pompeii de 1971.

Chaos Symmetry

2011-10-28T23:57:00.000+02:00

Como decían en el programa de radio Universal Mind, es muy dificil encontrar en España un grupo que haga rock progresivo puro. La mayoría tienden a "metalizarse", a hacer trabajos más parecidos a Dream Theater y grupos por el estilo... y al final, y perdonenme por lo que digo... todos acaban sonando igual (refiriéndome, sobre todo, a la escena progresiva... bastante escasa en nuestro pais). Se olvidan de la esencia del progresivo. De jugar con la música, de experimentar, de saborearla y hacer que los demás descubran matices nuevos, se dejen llevar...

Pero Chaos Symmetry son distintos. Chaos Symmetry recuperan la esencia de antaño, el gusto por las melodias cuidadas... fusionando la magia de los pioneros del género con la técnica y la maestría de grupos más actuales como The Flower Kings.
La juventud de sus miembros (ninguno sobrepasa los 30), da un aire fresco a la escena. Transmiten pasión en cada nota, y sus canciones nos permiten ver que no solo son músicos, sino que, ante todo, son amantes de la música.

Imagen tomada del videoclip "Cosmic Rain"

El caos se inició allá por 2006, en Murcia. Lo que empezó siendo un grupo de amigos que se reunían para disfrutar versioneando a sus grupos favoritos, fue tomando forma a medida que pasaba el tiempo.
En 2008, Chaos Symmetry sacó su primera demo, "The Universe on a String"... y el trabajo dió sus frutos, permitiéndoles ganar dos concursos a nivel regional: Creajoven 2008 y Ondanave Rock.
A finales de 2008, el grupo decide tomarse un descanso... hasta ahora.
A mediadios de 2010, Chaos Symmetry vuelve con más fuerza y energía, cambio de formación y un ligero cambio de estilo.
La formación actual es la siguiente:

Ricardo Ruíz - Keyboard, Piano, Organ and Synthetizer.
Guzmán "McFly" Sánchez- Chapman Stick and Bass Guitar.
Javier Mondéjar- Voice.
Jose Guardiola- Drums and Percussion.

En Febrero de 2011, los nuevos Chaos Symmetry se meten a estudio para grabar nueva demo, y a finales de verano, todas las pistas que componen su nuevo trabajo, titulado "Maybe Something, Maybe Nothing".

MAYBE SOMETHING, MAYBE NOTHING
La demo estuvo lista para finales de verano. Cuando terminaron de darle los últimos arreglos, todos los temas fueron colgados en la red, para que todo el que quiera pueda disfrutarlos de forma gratuita.
La presentación de la demo en directo, tendrá lugar mañana 29 de Octubre de 2011, en la sala Musik, en Murcia, por el módico precio de 2€... todo un chollo para cualquier amante de la música que quiera amenizar la noche del sábado con calidad.
Además, desde su página de facebook nos hicieron saber que en el concierto tienen una sorpresa muy especial...

Basta de chachara... porque aquí servidora se podría pasar horas escribiendo elogios, y lo que realmente importa es su música.
Todos los temas de la demo, listos para escuchar mediante youtube. Especial atención al videoclip de "Cosmic Rain", donde podreis ver al grupo en acción... y a Far Beyond the Skies, una de mis preferidas. Enjoy it!
Crazy Starband

Her

Rhythm of dreams

Far beyond the skies

Cosmic Rain- Videoclip

Crazy Starband (Revisited)

Sitios oficiales de Chaos Symmetry:

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Youtube
Myspace

Eloy- Ocean (1977)

2011-10-12T18:16:00.000+02:00

El progresivo alemán es un gran desconocido entre el público.
En los 70s, los grupos de rock de alemania tenían una tendencia a decantarse por un progresivo muy cercano al denominado "space rock", y, a menudo, volaban tanto que acababan por unirse a la bandada del resto de grupos alemanes, que, irremediablemente, dirigian sus pasos al género por excelencia de Alemania: el Krautrock.
Fueron pocos los grupos que se mantuvieron fieles a sus inicios puramente progresivos y que apuntaban más al progresivo británico que al Krautrock... y entre ellos, hoy destaco a Eloy.

Logo de la banda... muy a lo Roger Dean, ¿no?

Eloy regresó en el pasado, allá por 1969... y digo regresó, porque, como conocerán los amantes de la ciencia ficción y de H.G Wells, los Eloi son una raza que habita el planeta en el año 802.701, según la novela La máquina del tiempo.


Los Eloi, en "El tiempo en sus manos", adaptación de la novela de Wells en 1960.

La grandeza de Eloy se basa en gran parte en la creación de unas atmósferas intensas, muy musicales, cargadas de toques de teclado y guitarras cargadas de efectos.
Lo que para mi gusto hace inconfundible al grupo es, sin lugar a dudas, la pronunciación tan alemana que le dan a las letras en inglés.

Frank Bornemann - Guitarra y voz
Klaus-Peter Matziol - Bajo y voces
Jürgen Rosenthal - Batería y voces
Detlev Schmidtchen - Teclados y voces

Tras 5 albums en los que Eloy iban en búsqueda de su sonido (los primero albums un tanto... caóticos, dejemoslo ahí), llegó, en 1977, la que sin lugar a dudas es su obra más célebre: Ocean.
Ocean es un album conceptual que gira en torno a la mítica Atlántida. Eloy crea de nuevo Atlántida para destruirla a través de cuatro temas largos:
Una mágica Poseidon's creation

Una dulce Incarnation of Logos:

Una más agresiva Decay of Logos (y su magnífica linea de bajo... ¡simple pero efectiva!)

Y una magistral agónica Atlantic's agony at June 5th-8498 P.M. Gregorian Earthtime

Son muchos los que tienden a comparar a Eloy con otros grandes del progresivo que estaban proximos al Space Rock por aquella época (véase Pink Floyd), pero las comparaciones siempre son odiosas.
Eloy goza de una personalidad fuerte que los hace únicos. Un sonido propio, trabajado y estudiado para transportarte a donde ellos quisieran... o a donde tú te dejaras llevar.

Hiromi (The Trio Project) XIV Festival Jazz San Javier (23-07-2011)

2011-07-27T13:55:00.000+02:00

Para empezar a narrar el concierto de Hiromi Uehara voy a parafrasear a Joaquin Alfonso (@joaalf), escritor del blog VIPVAP, Cinema & Peace & Music: "Si no has ido a un concierto de Jazz, no has ido a un concierto", a la que añado: "y si no has ido a un concierto de Hiromi, no has ido a un buen concierto de Jazz hoy en día".

La enérgica Hiromi nos enamoró a las más de 1500 personas que asistimos a su concierto el pasado sábado 23, uno de los últimos conciertos del XIV Festival Internacional de Jazz de San Javier.
La japonesa sorprende, no sólo por su juventud y su maestría con el piano, sino por la facilidad que tiene para sentir y transmitir con sus pequeñas manos, por la facilidad para dejarte sin aliento cuando intentas seguir a sus ligeros dedos mientras ella sonríe y toca como si nada.

Esta vez (no es la primera vez que viene a San Javier) vino acompañada de dos auténticos monstruos que conforman su nuevo "Trio project", en la presentación del nuevo álbum Voice: el maestro a la batería Simon Philips y el genialísimo Anthony Jackson al bajo.

Las primeras notas de la primera canción nos dejaron claro que ibamos a ver aquella noche: un completo repaso a los mejores temas de su nuevo álbum.
Voice fue el tema elegido para abrirnos boca, con su inicio pesado, grave, que se abre poco a poco en un derroche de virtuosismo.
Destacable sin lugar a dudas el momento en el que el piano de Hiromi "baja de volumen" y la batería del gran Simon Philips se vuelve arrolladora, mas cercana a una bateria de heavy que de jazz, pero, con la cama del bajo de Jackson y las notas dulces del piano de cola se convierte en algo magnífico, una mezcla entre jazz, clásica y rock que me dejó con la boca abierta y la babilla colgando.
En directo mejora muchísimo, como era de esperar.

Ya en estos primeros minutos vimos que el trio se entiende a la perfección. La acústica del Auditorio era increible, aunque por poner una pega (que se deba seguramente a la ubicación que escogí en el recinto) el bajo de seis cuerdas de Jackson era engullido casi en todo momento por la energica forma de tocar de Hiromi.

Tras Voice Hiromi se puso de pie para recibir el aplauso del público, cogió el micrófono nos dió la bienvenida y nos presentó su siguiente tema: Now or never.
Now or never es uno de los temas que más me llamó la atención cuando, muy de pasada, escuché el disco antes de ir a verla. Es un tema tremendamente divertido, en el que al principio alterna la majestuosidad de su piano con el toque divertido de su Nord Lead. Cuando se centra exclusivamente en el piano, llega un momento en el se deja llevar totalmente y vive la música como solo ella sabe hacer: dando patadas y saltitos mientras toca el piano y alcanza una velocidad, seguramente, muy próxima a la de la luz.
Lo mejor del tema, sin lugar a dudas, las imitaciones que hacía Hiromi con su sintetizador de las notas que tocaba Anthony Jackson en su bajo (en el video, en el minuto 7:39)

Video del festival Heineken Jazzaldia, celebrado el 24 de Julio, un día después del concierto de San Javier. El video pertenece a Distrito Jazz

Y... ¡otro temita del nuevo! Desilusion es toda una delicia, con un estribillo algo nostálgico y mágico.
Es el tema quizás más sobrio, y el piano de Hiromi deja brillar por fin a Anthony Jackson, cuyo bajo adquiere un protagonismo en la distancia y da una clase especial al tema. A mitad del tema, bajo la oscuridad machacona de Jackson y el piano moderado de Hiromi aparece el ritmo intenso del espectacular doble bombo del gran Simon Philips que resuena por todo el Auditorio y hace que el público rompa en aplausos

Labyrinth, fue otro derroche de virtuosismo y rapidez. Pese a que parece que es un tema más pausado, las pequeñas manos de la japonesa recorrian el piano alcanzando velocidades alucinantes, embobando al público y dejando nuestros corazones al borde del infarto por tratar de amoldarse a semejante ritmo.

Beethoven's Piano Sonata No. 8, Pathetique baja definitivamente el ritmo del concierto. Es hora de tomar un respiro, y disfrutar de forma pausada de la gran versión del maestro que nuestra querida Hiromi nos regala.
Y tras recibir los aplausos, Hiromi se queda sola en el escenario y nos toca una de las canciones más íntimas de su nuevo disco: Haze, un estupendísimo trabajo con el que hizo que el público contiviese la respiración para saborear la mágia y la serenidad que sudaba cada nota que los dedos de Hiromi acariciaban.
Fue un tema muy aplaudido, el público se puso en pie aplaudiendo emocionado mientras que Jackson y Philips volvían al escenario para continuar.

Y, un cambio de ritmo total, Dancando No Paraiso, de su disco Another Mind en el que el trio nos contagió las ganas de bailar (o mover la cabeza y el piececillo, que estabamos sentados). Nuevamente Philips e Hiromi suben la velocidad y se nota la química especial entre ellos, lo bien que han congeniado, lo bien que acompaña una batería de corte más rock con el piano maravilloso de la japonesa. Dejan el tema a medio, e Hiromi se pone de pie y se coloca junto a Jackson para contemplar de primera mano el fabuloso solo de batería de Simon Philips.

En definitiva, Hiromi fue una niña prodigio, alumna de Ahmad Jamal y Oscar Peterson... y el sábado en San Javier nos demostró que a sus 32 añitos ya tiene todas las papeletas para conventirse en una leyenda del Jazz de nuestros días. No sólo se muestra como una virtuosa, sino que vive y siente cada nota. Su carisma y su entusiasmo se contagian por vía de su expresión corporal, y su sonrisa y su alegría nos hacen entender que pese a su profesionalidad y maestría, para ella no es solo lo que le da de comer, sino que es su vida, su hobbie, su pasión. Hiromi es música. Hiromi es Jazz... otra forma de entender el Jazz... y con este nuevo trío, la perfecta unión entre tres cunas del Jazz (Nueva York, Londres y Japón) nos convenció absolutamente de que ante su presencia solo podemos aplaudir y admirar el derroche de talento que regala a quien se atreva a escucharla.

Espero que vuelva en próximas ediciones del Festival de Jazz de San Javier, porque todas las veces que vuelva yo volveré a repetir.

Camel - The Snow Goose (La gansa blanca) 1975

2011-07-04T16:36:00.001+02:00

Ficha técnica
Andrew Latimer - Guitarras y flauta.
Doug Ferguson - Bajo
Peter Bardens - Teclados
Andy Ward - Batería

Lanzamineto: Abril de 1975
Discográfica: Decca Records

Lista de Canciones
1. The great Marsh
2. Rhayader
3. Rhayader goes to town
4. Sanctuary
5. Fritha
6. The Snow Goose
7. Friendship
8. Migration
9. Rhayader alone
10. Flight of the Snow Goose
11. Preparation
12. Dunkirk
13. Epitaph
14. Fritha alone
15. La Princesse Perdue
16. The Great Marsh

Inspiracción literaria
The Snow Goose es el tercer disco de Camel, publicado en 1975. Es un album conceptual instrumental, basado en la novela del escritor americano Paul Gallico "The Snow Goose" o "La gansa blanca" en español. Sin embargo, el escritor Paul Gallico emprendió acciones legales para que el álbum no fuera relacionado (más de lo necesario) con su libro. No quería, por así decirlo, que "The Snow Goose" fuera una BSO del libro. De ahí que Camel se tuvieran que ver forzados a incluir "música inspirada por..." para mantener el nombre del disco y el nombre de todas las canciones, que hacen una clara referencia a la historia que se cuenta en el libro.

De hecho, para entender la belleza de Snow Goose, hay que conocer la historia de la novela de Paul Gallico.
La historia nos habla de Rhayader, un jorobado deforme bastante poco agraciado físicamente que se retira a un paraje abandonado en la Gran Marisma, para centrarse en la búsqueda de la belleza a través de sus pinturas y el contacto con la naturaleza, lejos de una sociedad superficial que le juzga y le rechaza por su apariencia monstruosa.
Fritha es una niña que encuentra un majestuoso ejemplar de ganso de las nieves (o los conocidos como gansos blancos), que no puede volar a causa de un ala rota durante una terrible tormenta. Para curar a la gansa, Fritha decide vencer todos sus miedos (infundados por la sociedad con respecto a Rhayader) e ir a ver al "misterioso jorobado" para que le ayude a salvar a la gansa... y así empieza una bonita amistad entre el sensible y feo Rhayader y la valiente Fritha, que consiguen curar a la gansa, bautizada por Fritha como Princesse Perdue. La Princesse Perdue puede volar de nuevo y así seguir con el viaje migratorio que llevaba a cabo antes del accidente de la tormenta.
Rhayader se ve obligado a participar en una operación militar llamada "la batalla de Dunkerque" (conocida como Operación Dinamo), una operación militar que permitió el rescate y evacuación de miles de soldados británicos y franceses durante la invasión nazi a territorio francés durante la Segunda Guerra Mundial. En esta batalla, Rhayader pierde la vida.
La Princesse Perdue regresa junto a Fritha, y es la encargada de darle la noticia (no directamente, obviamente).

El disco

La grandeza de The Snow Goose es que, pese a ser un álbum instrumental, describe a la perfección la historia del libro. Describe emociones, sentimientos, parajes... con simples melodias cargadas de la dulzura propia de la música de Camel.
El disco se abre con The Great Marsh, la intro que nos situa en el paraje natural donde tendrá lugar el desarrollo de casi toda la historia. Empieza sin oirse nada, para ir, poco a poco, como acercándonos desde la lejanía hasta el punto álgido, la Gran Marisma, mediante la hermosura y la sencillez de una melodía que nos transmite la paz y la mágia.
Una vez situados, nos presenta al protagonista mediante el tema Rhayader, un tema dulce que nos deja ver el fondo del personaje más allá de su 'poco' agraciada apariencia física. Nos muestra un interior bello, sensible... ese "algo" tan grande que los superficiales jamás podrán conocer. Seguidamente, Rhayader goes to town, nos permite ponernos en la piel de Rhayader en su visita a la ciudad. Podemos sentir las burlas, el rechazo, las miradas de desprecio y sentirnos agobiados y furiosos en las partes rápidas, y sentirnos tristes y discriminados en las partes más lentas, dejándonos llevar por el sentir del protagonista en la gran guitarra de Latimer.

Sanctuary, aleja a nuestro querido Rhayader de la ciudad. El excaso minuto de duración de este tema y el apacible clima que lo rodea nos situa esta vez en el Santuario donde Rhayader decide refugiarse: un faro abandonado en la Gran Marisma, donde encontrará la paz en soledad y podrá dedicarse a la búsqueda de la belleza a través de la observación y la pintura.
Y, entonces aparece en escena Fritha, un tema dulce e inocente que nos presenta a la jóven. Casi podemos sentirla pasear, sonriente, feliz y alegre... hasta que enlaza con The Snow Goose, que describe el encuentro de la jóven con el ave herida, y, muy probablemente, el encuentro y la petición de ayuda de Fritha con Rhayader.

Friendship es un tema alegre, con un fondo repetitivo y la voz predominante de un oboe, simulando, tal vez y como en tantas ocasiones se ha hecho, la voz de la Princesse Perdue, feliz y agradecida con sus dos nuevos amigos.

Migration es una novedad en el disco, pues es la primera vez en lo que llevamos de historia que se introducen voces, aunque sin letra, como si se tratara de un instrumento más. Es la despedida de la gansa blanca, que continuará con su migración ahora que gracias a Rhayader y a Fritha está curada.

Una vez que la gansa se marcha... Fritha regresa a casa, y, una vez más, Rhayader se queda solo. Rhayader Alone es una variación en el tema de Rhayader, presentandolo muy entristecido, sumergido en la soledad en su torre abandonada en la gran marisma, sin la compañía de la gansa blanca... ni de su querida Fritha, la única humana que se atrevió a acercarse a él.

Flight of the snoow goose nos aleja de la escena, describiendo a la perfección la belleza del ave durante su feliz vuelo. Y una vez lejos la gansa blanca, se enlaza con Preparation el tema en el que Rhayader se prepara para el combate, que empieza suave, dulce... para transformarse en una melodia cargada de miedo. Sentimos el miedo en la calma saturada de efectos... y Dunkirk inevitablemente, nos mete de lleno en la batalla, con partes de viento y una percusión bastante épica. Es el tema más largo del disco, con una progresión bastante acertada y una parte final que refleja la confusión y el dramatismo de la batalla.

El turno de el momento más trágico del disco: la muerte de Rhayader, en Epitaph, un tema oscuro, grave, que muere lentamente hasta acabar en unos segundos de absoluto silencio antes de dar paso a Fritha Alone, la variación de Fritha, que nos describe a una Fritha sin alegría, nostálgica, que echa de menos a sus amigos.

Pero la soledad de Fritha se rompe con el retorno de La Princesse Perdue en el que la gansa vuelve. Al principio es un tema muy alegre, un reencuentro feliz entre las amigas... pero luego baja de intensidad, al enterarse Fritha por la gansa de la trágica muerte de Rhayader. El tema adquiere en esta segunda parte un matiz doloroso... pero fuerte, de superación.

Y... tal como empezó todo, acaba, con The Great Marsh, pero, en vez de acercarnos como el primer tema... salvo que esta vez, en vez de acercarnos, nos aleja progresivamente de la escena donde tuvo lugar la historia.

Turisas y finales Creajoven Murcia (17 Junio 2011)

2011-06-23T14:05:00.000+02:00

Las finales de la rama musical del concurso de nuevos talentos Creajoven, son siempre esperadas con gran entusiasmo por el público murciano. Se trata de un concierto en el que participan los tres finalistas del concurso, y, además, la organización siempre suele conseguir a un artista de renombre para que toque de cabeza de cartel en este minifestival murciano.

En años anteriores, el cartel había contado con la presencia de grupos nacionales como Hamlet o La Fuga, que siempre son un reclamo para que el público se anime a ir al evento y conocer nuevos grupos de su región que vienen pisando fuerte.
Pero la sorpresa de este año ha sido totalmente inesperada. No sólo no ha sido un grupo nacional… sino que ha sido Turisas, un importante grupo de la escena folk metal europea, muy querido por los amantes del género.
Además, cabe destacar que Turisas tenían planeada una gira por territorio español que tuvieron que cancelar (aunque luego confirmaron tres nuevas fechas… pero para Noviembre de este año). Y, sobre todo, cabe destacar que esta actuación ha sido GRATIS.

A las ocho en punto, y bajo el desagradable sol murciano, se abrieron las puertas del pequeño recinto del Parque Fofó. Aunque la hora estimada para el inicio del grupo principal eran las 23 horas, me sorprendió gratamente ver la enorme masa de camisetas negras y caras pintadas que aguantando el calor de forma épica se concentraba allí a tan tempranas horas.

El calor era insoportable, pero mirases donde mirases veías caras sonrientes que se refrescaban con cervezas y tintos de verano.

A las ocho y media, el primer grupo finalista hace acto de presencia. Iron Curtain son un grupo de Speed Metal bastante conocidos y respetados en la escena murciana. Rápidos y contundentes, caldearon los ánimos de un público bastante entregado, que se animaba a corear los pegadizos estribillos como “brigada satánica, brigada del metal” y fueron muy aplaudidos. Tuvieron mucha complicidad con el público, y se curraron el espectáculo con un cañón de confetis y un amigo del grupo que salía con máscara, hacía air guitar con una muleta y animaba al público a hacer moshs y a cantar.

Poco más de media hora después, el segundo grupo finalista. B.A.B (Brutal Anal Blast). Nos sorprendieron a todos, porque hacen un death metal bastante decente, y no estuvieron nada mal. Se los notaba algo de falta de complicidad entre los componentes, y quizás un poco paradillos en escena, pero sonaron bastante bien.

Y los últimos finalistas fueron Newton Cae, que, pese a estar muy alejados del estilo que suelo escuchar, no me desagradó el metalcore raro que hacían, y tuvieron un directo potentísimo. Se mueven como pez en el agua por el escenario y se les nota bastante experimentados.

Al finalizar las actuaciones, los técnicos se pusieron manos a la obra con la preparación del escenario, que se tiñió de rojo y negro, los colores del grupo, y, antes de comenzar la actuación de los cabezas se anunció a los ganadores del concurso: Iron Curtain.

Con la épica intro de su álbum Battle Metal, Victoriae & Triumphi Dominus, los seis miembros de Turisas hacían su triunfal entrada levantando los puños y colocándose en sus marcas, mientras todo el público que llenaba el recinto se agolpaba gritando y aplaudiendo extasiados.

To Holmgard and Beyond, de su segundo disco, fue el primer tema que nos regalaron (nunca mejor dicho, porque no pagamos nada por verlos). Las gafas de una servidora, en un momento de locura, volaron y se estamparon contra el suelo, mientras yo y los míos las buscábamos entre los pies antes de que empezara el estribillo y fuera demasiado tarde para ellas, pues se desataría la locura colectiva y alguna bota militar pondría fin a su existencia. Las encontramos justo antes de que Mathias Warlord, cantante y frontman del grupo levantara los brazos y con un grito nos pidiera que le acompañáramos a él y a sus guerreros en el coro del estribillo. La locura se desató, como era de esperar (pero mis gafas ya estaban a salvo en mi bolso). El público murciano, con los puños en alto, se dejaba los pulmones en hacerse oír, muy entregado ya en este primer tema.
El violín de Olli Vänskä y el acordeón de la preciosa Netta Skog nos metieron de lleno en uno de los primeros temas del grupo, de su primer disco, One More. Un tema con partes muy tranquilas y una grandísima actuación del simpático Olli.

Y tras dos clásicos, el momento que más de uno se temía. The March of the Varangian Guard es un tema de su último disco, que no ha sido muy bien acogido por la mayoría de sus seguidores. Sin embargo, tiene la fórmula Turisas: partes cantadas suaves, partes más agresivas, guitarras pesadas y un estribillo coral épico, y eso, en un directo, nunca defrauda. Enlazaron con otro tema del último disco, Take the day, un tema con una fuerte influencia ochentera, que, pese al potente directo y al buen recibimiento de todo el mundo, a mi personalmente me dejó algo fría.
Y antes de meternos otro tema de su último trabajo, el bueno de Mathias sale con un bote de cerveza y nos comenta que menuda mierda le habían dado, que eso ni es cerveza ni es ná. Creo que le dieron un bote de cerveza sin alcohol… así que, ni corto ni perezoso, derramó todo el contenido del bote en el escenario… le faltó pegarle fuego XDDD
Hunting Pirates empezó acompañado de las palmadas de todo el público, que, si bien en el disco no me terminó de convencer los extraños cambios de ritmo, en directo, como siempre, mejorado y muy cañero.
Para no saturarnos de canciones nuevas, In the Court of Jarisleif, un tema con un aire gitano-europeo, muy rápido que nos invitaba a bailar como si estuviéramos en una taberna bañando nuestros hígados de cuernos de cerveza.

Pero están en gira de presentación de su último trabajo Stand up and Fight… así que otro tema más: The Great Escape. Aquí me pasa al revés que con otros tema: en el disco fue de lo que más me gustó (tal vez porque fue la primera que oí), pero en directo, aunque gana épica, no me emocionó al mismo nivel. Aunque no deja de ser preciosa e hizo que las partes de violín me erizaran los pelillos.
Y uno de los momentos que esperaba con más ganas (aunque no el que mas). Miklagard Overture, un tema largo, dulce en ocasiones, con una fuerte carga emocional y orquestal. Es uno de mis temas favoritos y en directo me transporta a unas tierras de leyenda con solo cerrar los ojos. Fue un gran momentazo.
Tras la épica y emocionante Miklagard Overture, me sentía una guerrera, dispuesta a luchar contra un clan rival o a salir de caza para alimentar a los míos… pero me cortaron todo el rollo, sacándome una sonrisa cuando a golpe de batería y bajo, tocaron los acordes del himno español… pero no ese himno español que todos os imagináis… sino el de “Alcohol, alcohol, alcohol, alcohol, alcohooool, hemos venido, a emborracharnos, el resultado nos da igual” la coreó todo el mundo, y entre risas, aplausos y saltos, sintiendo ese orgullo alcohólico español que nos caracteriza cuando todo el grupo tocó la canción como si se tratase de un adelanto de su próximo disco.

El acordeón de la siempre sonriente Netta nos transportó de nuevo a una taberna y animó al baile y la locura colectiva con Sahti Waari. Que temazo, señores, que temazo. Aunque moríamos de calor y todo el tiempo que llevabamos de pie y saltando pesaba sobre nosotros, el cansancio y la desesperación no pudieron apoderarse de nadie, porque este tema en directo es un chute de adrenalina increíble.
Y… Mattias nos organizó al finalizar el tema. Los del lado derecho eran el grupo “uan” y los de la izquierda el “chu” Cuando nos señalara, sólo teníamos que gritar todo lo fuerte que pudiéramos los del grupo que le tocara. Obviamente, la gente gritaba cuando sentía que tenía que gritar, sobre todo los que no veíamos nada, (como servidora, que sólo se podía sacar las gafas de vez en cuando para darle un repaso a Mattias), pero la gente tiende a emocionarse mucho con este tipo de interacción con el grupo y, cuando más emocionados estaban… cuando más fuerte gritaban… llegó EL TEMA.
Es curioso que un grupo de la calidad de Turisas sea conocido, sobre todo, por una versión… y es curioso que esa versión sea de un clásico de la música disco. Rasputin, el mítico tema de Boney M, es una locura en su versión folk metalera. La gente se vuelve completamente loca, y todo el mundo se olvida de todo para centrarse en Rasputin. No recuerdo nada de lo que ocurrió durante el tema… sólo que bailé, salté, grité como una condenada posesa… y lo pasé como nunca.
Pero… aún nos esperaba un tema más… la mejor forma de cerrar un concierto redondo. Battle Metal continuó la locura que despertó tímidamente Sahti Waari, se desarrolló a marcha forzada con Rasputin y finalizó con un himno en toda regla.
Y así finalizó un concierto inesperado, que nadie se creía. Turisas gratis en Murcia, totalmente entregados, nos deja un recuerdo de una noche de épica, risas… y dolor, mucho dolor. Los días posteriores al concierto estuve casi casi en coma, con el cuerpo totalmente dolorido, pero una sonrisa de oreja a oreja que aún me dura cada vez que recuerdo la fiesta que nos pegamos.
Hasta la próxima, Turisas… y un saludo muy especial a mi amigo Berzo, mi compañero grita-Vodka en todos los temas que seguro que aciertas XDDD XDDD XDDD

Destruction - Day of Reckoning

2011-06-15T20:13:00.000+02:00

Ficha técnica

Marcel "Schmier" Schirmer - Voz y bajo
Mike Sifringer - Guitarra
Wawrzyniec "Vaaver" Dramowicz - Batería

Lanzamiento: 18 de Febrero del 2011
Sello discográfico: Nuclear Blast

Lista de canciones

1. The Price
2. Hate Is My Fuel
3. Armageddonizer
4. Devil’s Advocate
5. Day Of Reckoning
6. Sorcerer Of Black Magic
7. Misfit
8. The Demon Is God
9. Church Of Disgust
10. Destroyer Or Creator
11. Sheep Of The Regime
12. (BONUS) Stand up and Shout (Cover de Dio)

Destruction es uno de los estandartes del thrash metal europeo. Si bien son desconocidos entre los que creen que en el thrash solo hay grupos llenaestadios (ejem), los alemanes siempre han sido respetados y admirados por un selecto grupo de aficionados al metal más underground de la vieja escuela.
Day of Reckoning ha visto la luz en este 2011 y ha supuesto el regreso del trío liderado por el cantante y bajista Marcel Schmier, aunque recordemos que desde su último disco no se han bajado de los escenarios de todo el mundo, pues sus incansables giras les llevan siempre por todos los rincones y salas, inclusive en España.
La novedad de Day of Reckoning es que el trio incluye un nuevo batería, Vaaver, anterior batería de los polacos Unsun. Con esta nueva incorporación, Destruction se han vuelto mucho más potentes, con un sonido más frenético y arrollador.

Day of Reckoning es un disco que está orientado, quizás, a los potentes directos de la banda.
The Price (tema que adelantaron en Diciembre de 2010) empieza contando los segundos para arrancar y dar un acelerón que no nos dejará respirar a lo largo de los once (doce, si contamos el bonus) temas que contiene el disco.
Cañero, de principio a fin, nos muestra a un Schmier en plena forma a los trabajos vocales, potente y con la fuerza que algunos echaban de menos en los últimos trabajos de estudio de la banda. Mike Sifringer, en su linea, nos regala solos agresivos y veloces que harán las delicias de los más exigentes… y bueno, el trabajo de Vaaver a la percusión es de sobresaliente, convirtiéndose casi sin quererlo en el arma más poderosa de este Day of Reckoning.
De entre todos los temas, destaca Sorcerer of Black Magic , un tema tan oscuro que si no fuera por la voz puramente thraser de Schmier nos haría plantearnos si estamos ante un grupo de Black metal más que de Thrash. Los coros logran ambientarnos en el peligroso mundo de la magia negra.
Devil’s advocate nos hace desear ser testigos de su ejecución en directo. Es, quizás, el tema más trabajado del disco. Magnificos riffs y solos adornan esta maravilla musical.
El tema oculto del bonus es una versión del gran Stand up and shout , tema de Ronnie James Dio, incluido en el mítico Holy Diver. Un gran homenaje para la voz del Heavy Metal.

Opinión personal
Reconozco que las primeras escuchas me dejaron algo fría, y eso en un disco de estas carecterísticas no viene siendo lo habitual. En esas primeras escuchas tuve la sensación de estar ante un disco cañero, sí, pero totalmente líneal... el típico trabajo que "oida una, oidas todas".
Tras ponerme seria, al borde de la decepción, decido darle un par de oidas más (que Destruction las merecen), y me descubro cantando casi a dúo con Schmier Hate is my fuel , emocionandome con Misfits y Devil's Advocate , intentando seguir los mortales bombos del "nuevo" y cerrando los ojos extasiada cada vez que el gran Sifringer hace una de las suyas a las seis cuerdas. Tras darme cuenta de esto, sólo puedo interpretar que Day of Reckoning no es uno de los miles de albums de thrash que las viejas glorias del género lanzan para conformar a sus seguidores y hacer caja, no: Day of Reckoning es un gran trabajo, posiblemente el más trabajado de Destruction.

A pesar de que finalmente me convenció, sigo viendo el gran fallo de que todas sus canciones me resultan iguales, salvo quizás la excepción de Sorcerer of Black Magic. Mis espectativas fueron demasiado altas con ellos: les pedí que me sorprendieran y ellos simplemente me dieron un gran disco con doce temas que podrían ser uno sólo.

Algunos temas

XIV Festival internacional Jazz San Javier 2011

2011-05-04T16:20:00.002+02:00

El XIV Festival Jazz de San Javier viene cargado de sorpresas y calidad.

El festival se va abriendo camino poco a poco, y cada vez cuenta con más aceptación por parte del público y la crítica.

Su cartel de este año, en tiempo de crisis, deja mas que satisfechos a los aficionados al género.
En el, podremos encontrar de todo: Jazz puro, Jazz Fussion, Jazz con toques flamencos, Jazz con toque oriental, Jazz Funk, Blues, Country, Rock, Rock and Roll... todo aderezados con la maestría de los profesionales que nos visitan este año y sus magníficas bandas.

Además, este año el festival está dedicado a la memoria de Gary Moore y Solomon Burke.

Las jornadas de Jazz en la Región de Murcia empezarán el 25 de Junio y terminarán el 30 de Julio, contando con 23 actuaciones en 12 días.

A continuación, os dejo el programa del Festival, acompañado por el precio de la entrada para cada noche.

Sábado 25 de Junio 12€
Biel Ballester Trio + Costel Nitescu
El guitarrista mallorquín Biel Ballester, acompañado por Graci Pedro (guitarra rítmica) y Leandro Hipaucha (contrabajo) inagurará el festival con una buena dosis de gyspsy jazz.
Costel Nitescu, violinista rumano, también acompañará al mallorquín en su actuación.
Albert Lee and Hogan’s Heroes
Albert Lee, el guitarra inglés que abarca un amplio abanico de estilos musicales y es un viejo conocido ya en San Javier tocará su propia música acompañado por los Hogan's Heroes (Gerry Hogan, Gavin Powey, Brian Hodgson, Peter Baron). Una apasionante propuesta que inundará San Javier de un aire Country.

Viernes 1 Julio 12€
Sergio Monroy
Jazz fussion con aires flamenco del gaditano Sergio, tras una gira por las Americas.
Lee Ritenour Band
Jazz Funk que derrocha calidad por las seis cuerdas del gran Lee. Además, viene acompañado de otro monstruo del género, Dave Grusin, un pianista y compositor con el que ya ha colaborado varias veces.

Sábado 2 Julio 12€
Leny Andrade & Sambop Band
La primera mujer (que no la última) de esta edición es la gran brasileña Leny Andrade, poseedora de una voz excepcional y una gran exponente de la bossa-nova.
Monty Alexander Trio
El mejor pianista jamaicano nos acompañará este sábado y deslumbrará al público con su gran virtuosiosmo con el piano y nos acercará a un Jazz de calidad fusionado con el Reggae de su tierra.

Miercoles 6 de Julio 12€
Ludovic Beier New Montmartre Quartet
Sorprendente Ludovic Beier, un gran acordeonista con un estilo único y alegre, acompañado de un piano, un violín, una batería y un contrabajo. No dejará indiferente a nadie.
Ramsey Lewis & His Electric Band
Otro gran pianista de Jazz, esta vez estadounidense, creador en los 70s de lo que conocemos hoy en día como Jazz Funk.

Viernes 8 de Julio 25€
Carla Cook & Albert Bover Trio
Otra gran dama del Jazz estará acompañada en su actuación por el pianista catalán Albert Bover y su banda.
Wynton Marsalis & Jazz at Lincoln Center Orchestra
El premiado trompetista estadounidense Wynton Marsalis será uno de los platos fuertes de esta edición (que no el único) acompañado por la Jazz at Lincoln Center Orchestra, una orquesta compuesta por 14 músicos que harán las delicias de los nostálgicos de la época dorada del Jazz y sus big bands.

Sabado 9 Julio 12€
Jaume Vilaseca Quartet & Ravi Chary
Una gran fusión de estilos nos harán el pianista español Jaume (que toca mucho Jazz-Fussion con aires flamencos), su banda, y el gran Ravi Chary, que dará un toque oriental con su gran dominio del Sitar.
Elvin Bishop
Buen Blues fusionado con Rock and Roll de los dedos del gran guitarrista Elvin Bishop, que ha tenido el honor de partipar con grandes leyendas del género como John Lee Hooker o B.B. King.

Martes 12 Julio 36€
Chicago
Sin duda, el mayor reclamo del festival. San Javier se llenará de nostalgia y cantará al ritmo de los himnos de este monstruo que puso de moda en los 70s el Jazz fusionado con Rock puro.

Viernes 15 Julio 12€
René Marie
Otra señorita teñirá la noche de magia con su personal y sensual voz.
Joe Louis Walker
Buen mano de uno de los mejores guitarristas del género, una joya viva.

Sábado 16 Julio 18€
Niels Lan Doky Trio
Uno de los mejores pianistas actuales, que nos ofrece un Jazz bastante dulce y encantador.
The Clayton – Hamilton Jazz Orchestra con John Pizzarelli
Los hermanos Clayton (contrabajo y saxo) y Jeff Hamilton (batería) son los cabezas de esta gran Big Band compuesta por 19 músicos y, además, la gran voz y la guitarra de John Pizzarelli.

Viernes 22 Julio 25€
John Scofield Quartet
La pieza fundamental del Jazz actual, John Scofield, un gran guitarra que, lejos de venir solo, se ha acompañado de célebres músicos de Jazz como Mulgrew Miller (piano), Scott Colley (contrabajo) y el gran Bill Stewart (batería)
The Animals & Eric Burdon
Otro de los platos fuertes del festival, otro de los dinosaurios que suben la categoría del festival este año.

Sabado 23 Julio 15€
Hiromi: The Trio Project
Pese a no tener tanto nombre como los platos fuertes del festival, Hiromi Uehara es una grandísima artista japonesa, muy querida y admirada por el público. Su jazz es distinto al de todos... su forma de tocar, única, alocada... y encima nos visitará con dos grandes leyendas de la música, Anthony Jackson, uno de los mejores bajista de jazz del mundo y Simon Phillips, batería de Toto, grande entre los grandes.
Lucky Peterson
Uno de los grandes músicos de música negra. Una voz que no deja indiferente a nadie, con una fuerza sobrecogedora y un toque único.

Sábado 30 Julio 12€
Pink Turtle
Pop jazzero, alegre y sumamente original que servirá para cerrar (junto a Chris Farlowe) el festival a lo grande, seguramente con sus populares versiones de los mejores temas de la historia del rock.
Chris Farlowe & The Norman Beaker Band
Una de las grandes voces del R&B británico, otro dinosaurio que sigue en activo tras más de 50 años en el mundo de la música.

El 16 de Mayo salen a la venta todas las entradas, aunque ya se pueden reservar.
Además, la organización del festival pone a la venta un abono para diez noches por el precio de 100€ (salvo las actuaciones de Chicago y Wynton Marsalis & JLCO)

Para más información:
http://jazz.sanjavier.es/es/index.html

Roger Waters - The Wall, Madrid 26-03-2011 PT. 2

2011-04-28T20:16:00.000+02:00

Durante los quince o veinte minutos que duró el descanso, estuvimos contemplando un muro con los rostros y los datos de más víctimas de las guerras (había varios españoles asesinados durante la guerra civil o víctimas de ETA).
Las fotos que se proyectaron fueron enviadas a través de la página web de Roger Waters los meses antes al inicio de la gira, por lo que la mayoría de ellas las habían enviado familiares directos de las propias victimas.

El muro vuelve a transformarse en muro cuando las luces se apagan. Las primeras notas de Hey you, otra de las míticas de Pink Floyd inundan el palacio en el primer tema del segundo disco. "Can you feel me?" Miles de miradas buscábamos a Waters, pero él permanecía al otro lado del muro, lejos de nosotros, aislado y haciendo sentir su presencia con la cálida vibración de su voz.
Unos enormes ojos tristes empiezan a observarnos. Dos focos se encienden y pasean por el público mientras Is there anybody out there? suena. Las acústicas y los violines de la parte final nos distraen mientras que, sin darnos cuenta, una parte del muro izquierdo se abre y se convierte en un pequeño salón... perdón, en el mítico saloncito de la pelicula. Pero nosotros seguimos con Is there anybody out there? y no nos daremos cuenta de esto hasta que Nobody home hace acto de presencia.
Roger Waters aparece en el saloncito, sentado en el sillón, con la mítica lámpara, el televisor encendido... y ese será el pequeño escenario donde interpretará muy comodo el tema... tomando fuerzas quizás para el momentazo que seguía a continuación.

Todo el concierto fue espléndido, no os quepa la menor duda... y creo que mis humildes palabras reflejan hasta ahora la grandeza del concierto... pero lo que vino tras la actuación del saloncito... para eso me temo que me quedo corta diga lo que diga: la triada de Vera, Bring the boys y Comfortably numb
Muchos sabíamos que sería el mejor momento de la noche... y no defraudó. El recuerdo de Vera Lynn nos agarró el corazón. En la gran pantalla del muro, las proyecciones nos hicieron sonreir con lágrimas en los ojos cuando niños se reencontraban con sus padres que volvían de la guerra... pero, The Wall es real, y no todos los padres se reunen con sus hijos... y no todos los niños sobreviven a la guerra. Roger Waters apareció al sonar los tambores para entonar la épica Bring the boys back home. Nuestras lágrimas de alegría de las anteriores proyecciones se transforman en lágrimas amargas cuando se proyectan crudas imágenes de niños marcados de por vida por algo que no entienden. Con las manos en alto, la mayoría nos dejamos llevar en este tema... sabiendo que lo que venía a continuación sería lo más grande del concierto.
Comfortably Numb es para mi el corazón del muro (además de un tema muy muy especial). Me veo incapaz de decir nada sobre el, salvo que no pude parar de llorar y aun me duelen los brazos de tener durante los siete minutos que duró los pelos de punta permanentemente.Y como no puedo decir nada, os dejo un video.

Bueno si, tras el ver video si que quiero apuntar que David Kilminster se salió a más no poder. GRANDE

Cuando terminó, me hubiera quedado toda la noche aplaudiendo hasta que las fuerzas me abandonaran, pero el tema que seguía a continuación me recordó que The show must go on. El grupo vocal que llevaba Waters por coro salió a escena delante del muro, capitaneado por Robbie Wycoff, todos vestidos de militar. Eché de menos las anteriores giras de Waters, y las voces negras de mujeres que le solían acompañar. Daban un toque mucho más glamuroso a los temas, y posiblemente, The Show must go on habría ganado muchísimo con una Katie Kissoon, por ejemplo... pero a servidora no le quedó mas remedio que conformarse y, pese a mis palabras, no tengo queja alguna.
In the flesh empieza poderosa entre los lejanos aplausos de The show must go on. Te preguntas cuando han montado todos los instrumentos delante del muro, porque todo el equipo está en sus puestos para hacernos disfrutar, vestidos de militar. Nuevamente los martillos cruzados hacen de acto de presencia, como si cayeran pesados estandartes en el muro, y banderas... y Waters de nuevo con su gabardina de cuero.
Y... ¡el cerdo sobrevuela nuestras cabezas!

Esta vez no se trata del mítico cerdo de Pink Floyd, sino que es una especie de Jabalí negro. "¿Por qué no saca el cerdo original?" me preguntaron... bueno, la respuesta puede ser sencilla. El cerdo sólo sale a pasear cuando se interpreta "Pig" o alguna canción del disco Animals. Este jabalí portaba mensajes similares, aunque más acordes a la temática de The Wall y a la estética del concierto y la canción.
In the flesh termina con Roger Waters disparando a su público con una metralleta. Entre los aplausos se quita la gabardina, nos dedica unas palabras y, con el cerdo aún sobre su cabeza, él y su grupo empiezan a pedir palmas para que acompañemos Run like hell. No nos queda otra que obedecer al dictador. Destacable trabajo a los teclados y a la batería.

Run termina con un aire marcial, y deja paso a los coros que dan inicio a Waiting for the worms. Robbie Wycoff me sorprende gratamente aquí, dandole un toque muy personal al tema, con unos falsetes muy logrados (me debió leer el pensamiento de que echaba de menos las voces femeninas).
Roger toma el megáfono y nos sentimos como si estuvieramos en la mili recibiendo ordenes de nuestro capitán. Las imagenes de la alucinación de Pink se suceden una tras otra, hasta llegar a la mítica marcha de los martillos cruzados y STOP unos segundos de paz donde Roger fuerza demasiado la voz pero que nos dan un respiro.
Comienza el sprint final. Mientras los técnicos desmontan la batería y se llevan todo el cableado, Roger Waters se quita la camisa y la tira con rabia. The trial nos anuncia que el fin ha llegado, es la hora de ser juzgado. En la pantalla se proyecta una serie de dibujos animados que resumen todo lo que vivimos con el muro hasta ahora. Las imagenes son grotescas, desagradables y agobiantes. Nos meten presión y nos ponen nerviosos... al borde la locura. Roger Waters nos dicta la sentencia con su voz de pelicula mientras se hace a un lado para que podamos disfrutar y saborear la pelicula.
The trial termina, y el muro empieza a teñirse de rojo sangre. El último verso de The trial es repetido una y otra vez por todo el público "TEAR DOWN THE WALL"... hasta que nuestro grito es escuchado, y el muro se nos cae encima.

El polvo cubre las primeras filas, mientras las luces se encienden. El público enloquecido se siente liberado, aplaudimos con fuerza y gritamos con un subidón de adrenalina impresionante.
Pero no todo está acabado, queda algo más. Entre los escombros del muro, salen en fila todos los miembros de "The wall tour" para interpretar, ya fuera del muro Outside the wall. Un final divertido, con arcordeón, trompeta, banjo... que nos despide y nos deja con una sonrisa en la cara... y con la extraña y mágica sensación de haber hecho un sueño realidad.

OPINION PERSONAL
Para mi The Wall siempre ha sido un disco importante. Cada vez que veo la pelicula me hundo, lloro, me pongo feliz, sonrio.
The Wall logra conectar con el oyente. The Wall logra hacerte sentir, escarba a través de tu muro, te descubre dentro de el, desnudo e indefenso. The Wall es mucho más que una pelicula, un disco, una idea... y el concierto de The Wall es mucho más que un concierto, que un directo, que una pelicula.
Tuve el placer de ver al señor Waters en dos ocasiones con la gira de Dark Side... y hasta entonces pensaba que no podría vivir algo mejor. Me equivocaba. The Wall en directo es una de las mejores experiencias que pueda vivir un amante de Pink Floyd, un amante de la música, un amante del arte, del cine. Es un orgasmo. Es un miedo enfrentado, una muerte, una subida a los cielos, una resurrección.
The Wall es poder cerrar los ojos y trasladarte a los rincones más oscuros de tu mente, iluminarlos... vencer. Y muchos fuimos los que nos sentimos victoriosos aquella mágica noche de Marzo.

Roger Waters - The Wall, Madrid 26-03-2011 PT. 1

2011-04-19T12:19:00.000+02:00

Tarde... como siempre, tarde. Casi un mes después del concierto y ni un sola palabra del gran concierto al que tuve el placer de asistir. Pero aquí estoy para remediarlo.

ROGER WATERS, THE WALL. 26 Marzo del 2011
Sabado 26 de Marzo. Pocos minutos después de las nueve y media de la noche, las primeras notas de “In the flesh?”, interpretadas por una trompeta, resuenan en el Palacio de los Deportes de la comunidad de Madrid. Como primer bocado del gran menú que íbamos a degustar, bengalas rojas se disparan acompañando la entrada pesada del tema. En la pantalla de luna llena, situada en el centro del escenario, la mítica imagen de los dos martillos cruzados. A izquierda y derecha del escenario, unos pocos ladrillos empiezan a formar el muro, y, sobre ellos, parece haber pegados pósters con la misma imagen. En lo alto, sobre una estructura metálica, soldados portan banderas con el símbolo del martillo.

Roger Waters aparece y nos observa, recorre el escenario saludando mientras la banda, compuesta por 11 músicos, continua solemne ejecutando la magia. Dos soldados visten a Waters con una gabardina negra de corte militar y unas gafas de sol. Con los brazos a la espalda se dirige al micrófono situado en el centro, y todas las miradas le observan mientras empieza a recitar sobre una cama de voces corales los primeros versos de “In the flesh?”: “Así que pensé que quizás te apetecería ir al espectáculo para sentir el cálido estremecimiento de la confusión”. Asentimos y entendemos que esto ya ha empezado, y que, tal y como solíamos hacer en nuestras casas, vamos a poder disfrutar del que probablemente sea uno de los mejores discos concebidos en toda la historia de la música, y lo íbamos a hacer allí, en directo, viendo al arquitecto del único muro que pagaríamos por volver a ver construir “¿Te gustaría descubrir lo que hay detrás de estos fríos ojos? No tienes más que arañar a través del disfraz”. Dicho esto, los soldados se retiran. Empiezan los disparos. Las luces se van, y los fuegos artificiales en fila, arriba y abajo, iluminan todo el Palacio mientras un avión (una maqueta de un caza) nos sobrevuela y se estrella en un lateral del escenario formando una gran llamarada.
Tras la espectacular apertura del show, el llanto de un bebé se nos clava en el pecho y, al igual que en el disco, es el turno de The thin ice. Robbie Wycoff es el cantante elegido para interpretar las voces de David Gilmour. La voz es mucho más aguda que la de Gilmour, y quizás no logre plasmar la dulzura con la que David comienza a susurrar este tema en el disco… pero estamos en un directo, y no estamos viendo a Pink Floyd, no podemos exigir nada más. En la pantalla del centro, se proyectan fotos de víctimas de distintas guerras, con nombres, apellidos, procedencia, año de nacimiento y año de defunción. El primer rostro que aparece es el del padre del propio Roger, que murió en 1944 en Ansio, Italia, durante la segunda guerra mundial. Canta Waters su parte, mientras las imágenes dejan de tener nombre propio y se convierten en un desfile de rostros rotos por las guerras.
Con las lágrimas retenidas en nuestros ojos, el ritmo galopante provoca un sin fin de gritos ahogados en la multitud. Another Brick in the Wall Pt. 1 hace que el público empiece a acompañar con palmas hasta que Waters, con su bajo en el centro del escenario, empieza la canción con la que acepta que su padre no va a volver y que “después de todo, no eran más que ladrillos en el muro”.
El sonido de un helicóptero silencia a los cada vez más lejanos lamentos de Another brick in the wall pt. 1. Un foco empieza a pasearse por todo el público, y hace que nos sintamos observados desde las alturas por un helicoptero que en realidad no está allí. Busca algo… y nos distrae mientras se despliega un muñeco gigante, una marioneta que representa al profesor abusón del colegio… al final de este “Happiest days of our lives”, que sirve de enlace a Another Brick in the wall pt. 2 , la gente sabe que viene la canción más conocida de Pink Floyd, y, cuando llega, todo el mundo estalla y empieza a acompañar a Waters y sus cuatro coristas con el himno “We don’t need no education”. la sorpresa llega cuando unos niños saltan al escenario en fila, y hacen un playback de la canción mientras hacen una “compleja” coreografía que consiste en dar palmas a un lado y a otro, y a señalar al muñeco cuando la canción reza “hey, teachers! Leave us kids alone”

Los solos del tema se los reparten, primero David Kilminster, que acompaña a Waters desde 2006, y después Snowy White, que ya había acompañado anteriormente a Waters, a Richard Wright, a Pink Floyd y Thin Lizzy.
Cabe destacar que, a propósito de que el muñeco del profesor no es más que “otro ladrillo en el muro”, mientras escuchábamos y saboreamos todo lo que llevamos de concierto, los técnicos traían bloques y construían en directo un muro en el escenario. Son los protagonistas invisibles del gran espectáculo que vimos. Poco a poco, sin prisa pero sin pausa, uno a uno montaban más ladrillos en el muro, que cada vez se hacía más largo y más incómodo para los espectadores, pues en algunos tramos, y a estas alturas del concierto, el muro ya empezaba a tapar al grupo. Además, el muro se convertía poco a poco en una pantalla gigante sobre la que se proyectaban imágenes que reforzaban y/o complementaban a la pantalla de luna llena del centro.
Guitarra acústica en mano y de nuevo en el centro del escenario por delante del muro que ya iba tomando formando, Roger hace una pequeña pausa que aprovecha para saludar al público, darle la bienvenida y aplaudir a los niños que ya se han retirado. Aunque las canciones no hubieran seguido el orden del disco, creo que todos los allí presentes reconocieron la canción al primer acorde, y es que esa guitarra acústica que da comienzo a Mother es tan dulce como la canción (a pesar de lo terrible escondido dentro de la dulzura de su letra). Mientras tocaba, en las pantallas se le veía a él, 30 años antes, tocar y cantar la misma canción en blanco y negro con una perfecta sincronización. Y, de nuevo Robbie Wycoff vuelve a cantar la parte de Gilmour, interpretando en esta particular ópera rock, a la madre de Pink, la sobre-protectora que, como dice en la canción “no te dejará volar, pero puede que te deje cantar”. Quizás, este momento tan emotivo en el show fue el más decepcionante por Robbie Wycoff, que sigue sin encajar en la voz de Gilmour, y canta de una manera bastante aburrida. Definitivamente no está al mismo nivel vocal que aquel que anunció que se subiría a uno de los conciertos de esta gira europea, y quizás le quite algo de magia a la contestación que la madre le hace a su niño en el disco. A la izquierda del escenario, y cerca de Wycoff, otra gran muñeco, que representa a la madre, con sus brazos de ladrillo y su abrazo que te apresa dentro del muro, permanece inmóvil pero su presencia es fuerte e imponente. Los solos esta vez corren a manos de Snowy White y GE Smith.
Y Waters se esconde tras el muro. En el muro a medio contruir y la pantalla de luna llena un desfile de aviones en fila parece dirigirse hacia nosotros mientras suena Goodbye blue sky. Los aviones empiezan a bombardear en silencio mientras el coro, compuesto por los tres hermanos Lennon y Jon Joyce entona la melodía picada. Las bombas son símbolos, de un intenso color rojo, religiosos, políticos y capitalistas, los principales motivos de las guerras más crueles y sanguinarias, que nos hacen tener que despedirnos del apacible cielo azul. Y tras esta reflexión, todo se tiñe de un funebre negro. En las pantallas, al ritmo de Empty Spaces, se proyecta una animación similar a la de la pelicula el Muro, en la cual dos flores bailan, se acarician dulcemente con los petalos, hasta que una embiste a la otra y comienza una salvaje pelea entre ambas. Esta canción incluye una novedad respecto al disco, y es que se empiezan a proyectar más imágenes bastante agresivas, y suena una canción que no se editó en el disco What shall me down, poderosa y oscura, hace temblar no solo la estructura del muro que se está construyendo, sino la estructura del Palacio de los Deportes entera.
Sin tiempo para dejarnos respirar, la guitarra de David Kilminster (la más heavy), silencia nuestros aplausos, mientras se proyectan imágenes muy sensuales de mujeres desnudas, quizás una de ellas es la que buscaba Pink en Young Lust. En esta canción, cobra protagonismo Wycoff, ya que Waters solo participa en los coros y es engullido por las cuatro poderosas voces del coro. Magnífico y destacable trabajo el de Kilminster y el del hijo de Waters a los teclados.
Tras una conversación telefónica que parece tener lugar en el interior de un gran ojo, Waters aparece sentado, cabizbajo. Se pone en pie, en el centro del escenario, para entonar con rostro descompuesto One of my turns. Con el microfono en una mano, nos regala la canción, quizás, más sosa de la noche, que termina con una larga nota de su poderosa voz y el aplauso del público que quizás quedo algo frío. Y la pantalla del muro se tiñe de negro, para recibir la angustiosa Don't leave me now. Unas lineas de colores (verde, rojo y amarillo) empiezan a chorrear desde la parte de arriba del muro, y, a la izquierda, tras un fondo blanco de ladrillo, un gran marioneata similar a una mantis religiosa con cabello de fuego se despliega y danza lentamentamente en los últimos compases del tema, al ritmo del coro mientras Roger Waters nos da la espalda y se esconde tras el muro.

El muro se convierte en un gran televisor, y en el van apareciendo distintos lideres mundiales que nos ofrecen un discurso. A cada cambio de imagen, un golpe invisible va rompiendo la pantalla, y las voces de los lideres se mezclan y se convierte en una orgia sin sentido para abrirnos paso a Another brick in the wall Pt. 3, que el publico aplaude y corea entusiasta. Y los ladrillos que faltaban por poner se colocan mientras suena otra de las novedades respecto al disco, The last few bricks. En el último ladrillo que faltaba poner, en el centro del escenario, Roger Waters asoma la cabeza iluminado unicamente por las luces que están tras el muro en Goodbye cruel world. Y en el último "goodbye", el ultimo ladrillo es colocado. El muro está completo... y es el final de la primera parte del concierto.

NOTA: Las imagenes utilizadas para adornar la entrada están sacadas de WIKIPEDIA.org , de la entrada The Wall Live.

High Voltage Festival II

2011-01-29T18:16:00.001+01:00

El año pasado, el festival londinense High Voltage nos sorprendía a más de uno por tener uno de los mejores carteles progresivos de Europa. Contó con grupos como ELP, Asia, Focus, Pendragon, Marillion... además de otros tantos grupos tanto como progresivos como más rockeros y más metaleros.

En el 2011, High Voltage tiene el objetivo de superarse, y las primeras confirmaciones con las que ya cuentan convierten a Londres y al festival como un destino muy atractivo para los fans de la música progresiva.

Grupos confirmados:

JUDAS PRIESTS En su gira de despedida de los escenarios
DREAM THEATER
BLACK COUNTRY COMMUNION Supergrupo formado por: Glenn Hughes, Joe Bonamassa, Jason Bonham y Derek Sherinian
JETHRO TULL
SPOCK'S BEARD
CARAVAN
MOSTLY AUTUMN
PALLAS THE ENID

Y se esperan muchas y jugosas confirmaciones.

El festival tendrá lugar en el Victoria Park de Londres, los días 23 y 24 de Julio.

El precio de las entradas:

Dos días: 116€.
Un día: 66€

Pink Floyd- The Wall

2010-12-30T21:32:00.000+01:00

Pink Floyd, pese a no ser digna de hablar de vuesas mercedes, una palabra vuestra bastará para sanarme

El muro es una de las obras más conocidas e influyentes del Rock que vió la luz a finales de los 70s.
Sin saber nada de su contenido, puedes hacerte una idea de su grandeza sabiendo la de discos de platino que lleva a sus espaldas y, además, sabiendo que está en el puesto número tres en el ranking de disco más vendidos de todos los tiempos.

Marcó hondo no solo en la historia de la música, sino que miles de personas, que por los tiempos que corrían se sentían reprimidas, hicieron la obra suya y se rebelaron contra todo lo que les hacía presos en su particular muro.
"El muro" no es más que una metáfora de los problemas que una persona puede tener y desarrollar y que se convierten en ladrillos, que hacen un muro aparentemente inquebrantable capaz de aislar a un individuo de la realidad.
Pero el mensaje que nos intenta dar el disco es que puedes ser capaz de romper los ladrillos, traspasar el muro, cruzar al otro lado y vivir... pero no adelantemos acontecimientos y analicemos paso a paso el disco.

El disco

Para que muchos entiendan mejor el argumento del disco, es preciso ver la pelicula que se hizo del mismo (en el 82) bajo el titulo "Pink Floyd The Wall". De todas formas, para el que no haya visto la pelicula y desconozca el argumento, aquí va mi explicación personal:

El disco nos habla de Pink, una estrella de rock, y lo haces desde tres "perspectivas":
1. La de niño. Nos muestra el origen de los traumas infantiles que contribuyeron al desarollo de una personalidad desquiciada.
2. De adulto. Una vez crecidito, Pink se ha convertido en un amargado que arrastra todos los traumas infantiles, y que va creando nuevos problemas.
3. La alucinación de Pink (o el Pink dictador): Esta sobre todo se puede apreciar mejor en la pelicula. Pink tiene un viaje, un sueño o como lo quieras llamar, en la que él se convierte en un dictador.

Pink fue un niño que nunca conoció a su padre, ya que este fue destinado antes de su nacimiento a la segunda guerra mundial (y murió allí, claro). La madre de Pink era sumamente sobreprotectora (hasta el punto de agobiar) impidiendo al joven volar solo, afrontar sus problemas, entender la realidad tal y como es. Por si fuera poco, sus profesores en la escuela le maltrataban a él y a sus compañeros, y les imponían una disciplina demasiado severa para tan tierna edad.
Al joven Pink le robaron la infancia.

Como no es de extrañar, al hacerse adulto, Pink se convierte en músico de rock, la señal de rebeldía de la época. Alcohol, drogas, sexo... su mujer le abandona... la fama le supera... ¿puede alguien mantener la cordura así?
Pink, encerrado entre los muros de una vida a la que no puede hacer frente, se sumerge de lleno en los pozos de la locura, completamente desesperado, desquiciado... Pink es más psicopata que persona.

La situación le supera hasta tal punto que sufre como unos sueños (no sé como explicarlo) en los que Pink se convierte en dictador de un movimiento hitleriano, cruel y sanguinario. Pasa de ser oprimido a ser opresor.
Esta fantasía surge tras el fallido intento de suicidio que lleva a cabo.
Decide acomodarse dentro del muro... crear un mundo paralelo.
Sin embargo, pronto Pink se da cuenta de su propio engaño, y su fantasía le parece incluso peor que la realidad que hay al otro lado del muro. Su subconsciente llega incluso a hacerle un onnírico juicio en el que es declarado culpable. Hay pues que traspasar el muro, aceptar la realidad y aprender a vivir con ella.

Esta mini explicación del contenido es bastante pobre y es mejor que cada cual la interprete a su manera.

Temas

The Wall tiene un total de 26 canciones, en dos discos, además de dos temas que, pese a no aparecer en el disco, sí aparecen en la pelicula. Casi todo el disco está compuesto por Roger Waters.

Listado de temas
Disco 1

In the flesh?
The Thin Ice
Another Brick in the Wall Pt.1
The Happiest days of our lives
Another Brick in th e Wall Pt. 2
Mother
Goodbye Blue Sky
Empty Spaces
Young Lust
One of my Turns
Don't Leave me now
Another Brick in the Wall
Goodbye cruel World

Disco 2

Hey You
Is there anybody out there?
Nobody Home
Vera
Bring the boys back home
Comfortably Numb
The Show must go on
In the Flesh
Run like hell
Waiting for the Worms
Stop
The Trial
Outside the wall

Es un album conceptual, donde cada tema se convierte en un capitulo de la historia. Por tanto, todas y cada una de las canciones son fundamentales en el desarrollo de la historia, aunque, por supuesto, van separadas entre sí.
Me debatía entre hacer un analisis de cada tema, o hacerlo sobre las canciones que creo han de ser destacadas para el entendimiento de la obra... Al final me decanto por seleccionar unas cuantas canciones que creo de más peso en el disco y poner las letras al castellano. ¡Disfrutenlas!

Another Brick in the Wall Pt. 1
Me parece que no hay nada que comentar sobre este tema, sabiendo el profundo vacío que dejó la ausencia paterna en Pink.

Papá ha volado a través del océano
Dejando sólo un recuerdo
Una instantánea en el álbum familiar
Papá, ¿qué más dejaste para mí?
Papá, ¿qué dejaste atrás para mí?
Después de todo, no fue más
que un ladrillo en el muro
Después de todo, no eran más
que ladrillos en el muro

The Happiest days of our lives & Another brick in the wall Pt 2.
Pese a ser dos temas individuales, creo que se necesitan el uno al otro. Happiest days of our lives nos muestra el problema de los crueles maestros que los niños tenían que aguantar, y, a continuación, Another Brick in the Wall pt. 2 (el tema de Pink Floyd que TODO el mundo ha oido) es un grito de basta ya.
Happiest days...

Cuando crecimos y fuimos a la
escuela
Había algunos profesores
que habrían hecho cuanto fuese
Posible para herir a los niños
Derramando su burla sobre
cualquier cosa que hacíamos
Y sacando a relucir todas
sus debilidades
Por más cuidadosamente
que los chicos
las ocultasen.
Pero todo el mundo
sabía en la ciudad
Que cuando llegaban a casa
por la noche
Sus gordas y psicópatas
esposas les zurraban
Casi hasta matarlos.

Another brick... pt. 2

No necesitamos educación alguna
No necesitamos ningún
control del pensamiento
Ningún oscuro sarcasmo en el aula
Maestros, dejad en paz a los chicos
¡he, maestros! Dejadnos a los chicos en paz
Después de todo, no es más
que otro ladrillo en el muro
después de todo, no sois más
que otro ladrillo en el muro

Mother
Esa madre sobreprotectora...

Madre, ¿crees que tirarán la bomba?
Madre, ¿crees que les gustará mi canción?
Madre, ¿crees que van a tratar
de romperme las pelotas?
Madre, ¿debería construir un muro?
Madre, ¿debería presentarme a presidente?
Madre, ¿me pondrás en la línea de fuego?
Madre, ¿me estoy muriendo realmente?
Calla niño, no llores
Mamá va hacer que todas tus
pesadillas se conviertan en realidad.
Mamá te va inculcar todos sus miedos
Mamá va a tenerte aquí
Bajo su ala
No te dejará volar pero puede
que te deje cantar.
Mamá mantendrá a su niño
calentito y protegido
Oooh mi niño, Oooh mi niño, Oooh mi niño.

Naturalmente, mamá ayudará
a construir el muro.
Madre, ¿tu crees que ella será buena?
---para mi
Madre, ¿tu crees que ella será mala?
--para mi
Madre, ¿te quitara ella a tu hijito del alma?
Madre, ¿me romperá ella el corazón?
Calla niño, mi niño, no llores.
Mamá examinará a todas
tus novias por ti.
Mamá no dejará que ninguna sucia
se te acerque.
Mamá esperará hasta que vengas.
Mamá siempre descubrirá
donde has estado.
Mamá te mantendrá siempre
limpio y saludable.
Ooooh mi niño, Ooooh mi niño,
Ooooh mi niño.
Siempre serás un niño para mí.

Madre, ¿TENÍA QUE SER TAN DURO?

Don't leave me now
Esa mujer que le abandona...

Ooooh pequeña
No me dejes ahora
No digas que es el fin del trayecto
Recuerdas las flores que te envié
Te necesito, pequeña
Para hacerte picadillo
Delante de mis amigos
Ooooh pequeña.
No me dejes ahora
¿Cómo puedes irte?
Sabiendo que te necesito
Para darte una buena paliza
el sábado por la noche?
Ooooh pequeña.
No me dejes ahora
¿Cómo puedes tratarme de esta manera?
Huyendo de mí
Te necesito, pequeña
¿Por qué huyes?
¡Ooooh pequeña!

Hey you

¡Eh, tú! ahí fuera en el frío
Quedándote solo, haciéndote viejo,
¿puedes sentirme?
¡Eh, tú! el que está de pie en el pasillo
Con los pies escocidos y sonrisas marchitas,
¿puedes sentirme?
¡Eh, tú! no les ayudes a enterrar la luz
No te rindas sin luchar

¡Eh, tú! ahí fuera, solo
Sentado desnudo junto al teléfono,
¿quieres tocarme?
¡Eh, tú! con tu oreja contra el muro
Esperando a que alguien llame,
¿quieres tocarme?
¡Eh, tú!¿Quieres ayudarme
a llevar la piedra?
Abre tu corazón, vuelvo a casa.

Pero era sólo fantasía.
El muro era demasiado alto,
Como puedes ver.
No importa cómo intentó escapar
No pudo abrirse camino,
Y los gusanos le comían el cerebro

¡Eh, tú! Ahí fuera, en la calle
Haciendo lo que te dicen,
¿puedes ayudarme?
¡Eh, tú! ahí fuera, al otro lado del muro
Rompiendo botellas en el salón,
¿puedes ayudarme?
¡Eh, tú! no me digas que
no hay ninguna esperanza
Juntos resistimos, divididos caemos.

Vera + Bring the boys back home + Comfortably numb
Desde que vi la pelicula, necesito escuchar estos tres temas seguidos. Si habeis visto la pelicula entendereis porqué... sino, abajo dejo dos videos con estos tres temas en la cinta.
Vera...
¿Se acuerda alguien de Vera Lynn?
Recordáis que dijo que
nos volveríamos a encontrar
algún día soleado?
¡Vera! ¡Vera!
¿Qué ha sido de ti?
¿Alguien más aquí
Siente lo mismo que yo?.

Bring the boys...
Trae a los chicos de vuelta a casa
Trae a los chicos de vuelta a casa
No dejes a los niños solos, no, no.
Trae a los chicos a casa.

Comfortably...
Hola
¿Hay alguien ahí?
Asiente con la cabeza si puedes oírme
¿Hay alguien en casa?
Vamos,
He oído que te sientes mal
Yo puedo aliviar tu dolor
Y ponerte en pie otra vez
Relájate.
Necesitaré primero alguna información
Sólo los hechos básicos
¿Puedes mostrarme donde te duele?.

No hay dolor, está disminuyendo
Un barco distante humea en el horizonte
Estás atravesándolo a oleadas
Tus labios se mueven pero
no puedo oír lo que dices
Cuando yo era niño tuve una fiebre
Mis manos se sintieron como dos globos
Ahora vuelvo a tener esa sensación
No lo puedo explicar, no lo entenderías
No es así como soy
Me he quedado plácidamente insensible.

O.K.
Sólo un pequeño pinchazo
Ya no habrá más ¡aaaaaah!
Pero puedes sentirte algo mareado
¿Puedes ponerte de pie?
Creo que está funcionando, muy bien
Eso te mantendrá de pie
durante el espectáculo
Vamos, es hora de marcharte.

No hay dolor, está disminuyendo
Un barco distante humea en el horizonte
Estás atravesándolo a oleadas
Tus labios se mueven
pero no puedo oír lo que dices
Cuando yo era un niño
Capté un rápido vislumbre
Desde el rabillo de mi ojo
Me volví a mirar, pero se había ido
No puedo poner mi dedo en ello ahora
El niño ha crecido
El sueño se ha esfumado
Y yo me he quedado
Plácidamente insensible.

Run like hell

Será mejor que corras como el demonio
Será mejor que te maquilles la cara
Con tu máscara favorita
Con tus labios abotonados
Y tus ojos como persianas
Con tu sonrisa vacía
Y tu hambriento corazón
Siente la bilis ascender
desde tu culpable pasado
Con tus nervios hechos polvo
Cuando la concha del berberecho
se rompe en pedazos
Y los martillos
echan la puerta abajo
Mejor será que corras como el demonio
Mejor será que corras todo el día
Que corras toda la noche
Y guardes tus sucios sentimientos
Bien dentro de tí. Y si
Sales con tu novia
esta noche
Será mejor que aparques el coche
bien fuera de la vista de nadie
Porque si te atrapan en el asiento de atrás
Tratando de tirarle del cabello
Van a enviarte a tu madre
En una caja de cartón
Mejor será que corras.

Outside the wall
Es hora de salir del muro.

Completamente solos, o de dos en dos
Los que realmente te aman
Caminan arriba y abajo, fuera del muro
Algunos de la mano
Otros juntándose en bandas
Los románticos y los artistas
se hacen fuertes.

Y cuando te han dado todo lo suyo
Algunos se tambalean y caen
Después de todo, no es fácil
Golpearse el corazón
contra el muro de algún tío loco.

Opinión personal

La verdad es que toda la publicación es una opinión personal... pero bueno, a lo que voy.
Me suelo preguntar si este es el mejor trabajo de Pink Floyd. Musicalmente, quizás el otro archiconocido Dark Side u otros, como Meddle le superen; quizás desde un punto de vista más "innovador" los albums más experimentales de sus inicios sean más rompedores, más sorprendentes... pero The Wall... THE WALL amigos mios, no es simplemente el mejor disco de Pink Floyd para mi, sino que es el mejor disco de la historia para mi. ¿Discutible? Oh, por supuesto que si... pero es lo que tiene una opinión personal, ¿no?
Es una mezcla perfecta entre sentimiento y maestría musical. No deja indiferente a nadie. Cada escucha es más mágica que la anterior... cada escucha es capaz de tocar más profundo dentro de una persona... es el disco 10.

Rock Progresivo Italiano Pt. 2

2010-12-27T16:15:00.000+01:00

En la anterior entrada ya hablé sobre, quizás, dos de los grupos más conocidos de la escena progresiva en Italia.
Para esta segunda parte, traigo dos grupos totalmente distintos entre sí. Uno iluminado, y otro sombrío...

Abro la entrada con la posada de las hadas.

Locanda delle Fate
Sus inicios tuvieron lugar en 1971. Al principio sólo eran tres, pero más tarde, en 1974, se completaron filas, quedando así: Giorgio Gardino a la batería, Luciano Boero al bajo, Alberto Gaviglio a la guitarra, flauta y voz, al piano y los teclados Michele Conta, Ezio Vevey a la voz y guitarra, Oscar Mazzoglio a los teclados y piano también y Leonardo Sasso a la voz.
Antes de ese trío que daba conciertos en bares, existía un grupo llamado Sound & Music, que contaba con Giorgio Gardino y con Oscar Mazzoglio. Por su parte, Luciano Boero entró a formar parte de la Sound & Music hasta que se disolvió, y fue entonces cuando los tres crearon Locanda.

Son bastante conocidos en Italia, pese a tener un sólo disco (bueno, sacaron un disco allá por el 99, pero no merece la pena ni hablar de él). ¿Famosos y con un "sólo" disco en el mercado? No es extraño si te dicen que la producción corrió a cargo del hermano de Vangelis, Niko Papathanassiou.
El disco, que salió en el 77, es fresco, elegante... y los expertos en la materia incluso lo consideran como el mejor album del progresivo italiano, por encima de PFM o BMS.

Set List.

1. A volte un Instant di Quiete
2. Forse le Lucciole non si Amano Più
3. Profumo di Colla Bianca
4. Cercando un Nuovo Confine
5. Sogno di Estunno
6. Non Chiudere a Chiare le Stelle
7. Vendesi Saggezza
8. New York (sencillo utilizado para promonición, incluido en la moderna reedición del disco).

Esta canción creo que todo el mundo la ha oido, pero sin saber que se trata de este grupo.

¡Y este tema es realmente precioso!

Jacula

Jacula es un grupo de progresivo italiano, ocultista y experimental, donde la importancia recae en las atmósferas siniestras que consigue crear el órgano.
Su nombre le viene de la vampiresa protagonista de un cómic erótico italiano de los 60s.

En Wikipedia he encontrado datos curiosos sobre ellos, en especial sobre su organista, Charles Tiring, que afirmaba que había hecho un pacto con el diablo, y por ello estaba casado con una jovencita de 18 años. Antes de esto tocaba el órgano de una iglesia, pero tras el pacto con el diablo se marchó de la iglesia robando el órgano ( en fin...).

En la formación de Jacula, también encontramos un médium, Franz Parthenzy, que afirmaba que las melodías le venian inspiradas por el mundo de los espíritus (¡anda mira! Como a Anne Varney!)

De el primer disco de Jacula se dice que sólo fueron creadas unas 310 copias, que en su mayoría se repartieron entre sectas.

Antonio Barttoccetti (guitarra) y Doris Norton (violinsta), crearon años más tardes varios proyectos, entre los cuales he podido encontrar videos de Antoniux Rex, un grupo más actual pero en la misma línea oscura y misteriosa de Jacula.

Rock Progresivo Italiano Pt. 1

2010-12-26T17:29:00.001+01:00

Es muy interesante estudiar y valorar el sabor típico que el Rock Progresivo fue adquiriendo según el País.

El Rock progresivo español, por ejemplo, tenía fuerte sabor español, con el uso de guitarras españolas, y toques flamencos, y cantado casi siempre en castellano.
Aún así, el rock progresivo español catalán (no quiero entrar en cuestiones políticas ni en discusiones sobre el tema) dió diversos artistas que se diferenciaban de los grupos andaluces, con un aire mucho más internacional... grupos como los magnificos Atila o Iceberg.

Pero no, hoy no es día de hablar del Rock Progresivo en España... hoy es día para irnos hasta la bota itálica y recrearnos con los magníficos grupos que surgieron allí.

Una de las bandas más populares fue Premiata Forneria Marconi, quienes obtuvieron un éxito que les pilló casi por sorpresa.
A día de hoy es una de las bandas más representativas del Rock Progresivo Italiano.
En Italia se conviritieron en la banda del momento... pero dieron un paso más allá, y bajo el nombre de PFM triunfaron también en el extranjero gracias a Greg Lake y, por supuesto, a Pete Sinfield.

Premiata Forneria Marconi debutaron en el mundo de la música con el disco Storia di un minuto, para mi, el álbum más completo de la banda. Todas las canciones del disco son autenticas obras maestras, frescas y perfectas.

Impressioni di Settembre es uno de los temas más conocidos y valorados de la banda, que se encuentra en este primer disco.

Tras esta melancólica Impressioni di Settembre, le sigue la no menos conocida É FESTA, o Celebration, su versión en inglés de este tema para triunfar en el extranjero.
Esta canción es muy energica, y es casi imposible quedarse quieto:

Tras mi favorito, Storia di un minuto, la banda grabaría su disco más exitoso, Per un Amico, que al año siguiente editarían su versión en inglés, Photos of Ghost.

Cuando decidieron triunfar por el mundo entero, perdieron al que para mi es uno de los miembros fundamentales para la banda, que es su vocalista Mauro Pagani... pero es un sacrificio que tuvieron que hacer para meter a otro vocalista que se defendiera mejor con el ingles para poder triunfar a nivel mundial. Esto fue en el año 1975.

Hasta 1978, con su disco Passpartú, Premiata Forneria Marconi se mantuvo en la ola progresiva... pero, como muchísimos grupos de los 70s, su primer disco de los 80s Suonare Suonare, empezó a tomar forma de otro de los muchos grupos que se adaptaron a esta nueva década y que se vendieron, haciendo sus discos y canciones mucho más comerciales para que abarcaran el mayor número de público posible.

Banco del Mutuo Soccorso es otra de las bandas italianas más representativas del Rock Progresivo en este País.
Al contrario que PFM, Banco del Mutuo Soccorso hacia una música que algunos han calificado como más oscura... pero, a fin de cuentas, hacian una música mucho más experimental.

Con 18 discos de estudio en su carrera, este grupo (al igual que la Premiata Forneria Marconi) todavía sigue en activo, aunque su último trabajo que vió la luz sea un directo del 2003.

La banda está liderada por el gran Francesco Di Giacomo, un personaje algo siniestro, con una estupenda visión y una voz impresionante.
Francesco Di Giacomo, además, sacaría tres discos en solitario, uno de ellos acompañado de Sam Moore y otro de ellos acompañado de Eugenio Finardi y Marco Poeta.

El primer disco que editaron, Banco del Mutuo Soccorso, en 1972, acompañado del segundo, Darwin, también del año 1972 son los discos fundamentales para entender a Banco del Mutuo Soccorso.

Darwin, acompañado de Storia di un Minuto (de PFM), son los mejores discos de progresivo italiano que se pueden escuchar.

750.000 Anni Fa... L'amore? Es un tema precioso, que recomiendo su escucha. Muy dramático y bonito.

Y aquí un ejemplo de su grandeza, canción rabiosa y energica. Esta canción, también perteneciente a su album Darwin, es para disfrutar de lo que es un trabajo bien hecho, perfecto.

Pero, Banco del Mutuo Soccorso es un grupo grande por ser muy vanguardistas.
Este grupo nunca quiso imitar, solo quería crear, y sus creaciones, extrañas pero magnificas, merecen todos mis respetos y admiración.
Para ver un ejemplo de esa "siniestralidad" de la banda, aquí un tema de su tercer disco, Io Sono Nato Libero, de 1973, titulado Non mi Rompete, con un estupendo trabajo a las percusiones.
Atención al momento "reja" de su cantante, Giacomo.

The Mars Volta- Octahedron

2010-12-26T16:57:00.001+01:00

El grupo: The Mars Volta, uno de los grupos que revolucionó la escena "alternativa" con una apasionante mezcla de estilos experimental solo apta para los oidos más exigentes.

Definirlos siempre es tarea imposible, pero muchos, quizás acertadamente, los catalogan como "rock progresivo alternativo, aderezado de tintes jazz y ritmos latinos". Pero lo cierto es que poco importan las etiquetas... pues lo importante siempre es la calidad del grupo, y sí, ellos están a la altura, ya que son uno de los grupos más originales e innovadores de los ultimos años (al menos para mi).

El disco: Octahedron es el ultimo album de estudio de Mars Volta, lanzado en Junio de 2009.
Es el disco, quizás, más suave y tranquilo del grupo, ya que no contiene temas/locura como en sus anteriores trabajos... al menos no demasiado locura.
Está lleno de cuidadas atmosferas con aires crimsonianos (refiriendome a King Crimson, claro) y de partes ambientales, pero aun así es el disco en el que la peculiar voz de Cedric Bixler-Zavala tiene más peso y más destaca.
Sin embargo, el hecho de que sea tan suave, y estando acostumbrados a otro dinamismo en los anteriores discos, hacen que el album transcurra un poco lento.

Canciones

1. Since We've Been Wrong 7:21
2. Teflon 5:04
3. Halo of Nembutals 5:31
4. With Twilight as My Guide 7:52
5. Cotopaxi 3:39
6. Desperate Graves 4:56
7. Copernicus 7:22
8. Luciforms 8:21

El disco se inicia con Since we've been wrong, que nos abre las puertas con un silencio de un minuto y medio aproximadamente... cuando "comienza" la canción, nos encontramos ante una balada dulce, donde la voz del gran Cedric nos lleva donde el quiere... y con el mismo silencio que empieza, acaba.

Teflon, el segundo tema, nos transporta, como tantas otras veces, a un pasado futuro, con aires bastante progresivos, un tema original, con una gran linea de bajo, cargante, pero eficaz. Quizás se hace largo en las primeras escuchas, pero tras un analisis mas intenso es un tema discreto, que engancha a su manera, con una progresion acertada y un final inesperado (para mi... esperaba un final mas apoteosico XDDD)

Cuando Teflon acaba con un casi silencio... hemos de comprobar de nuevo si nuestro reproductor se ha quedado pillado... porque Halo of Nembutals empieza con otro silencio, esta vez, de treinta segundos. Y, esto ya nos suena más a los acostumbrados a Mars Volta. Y, para mi, esta es una de las joyas del disco. Un aire misterioso, un toque desesperado, a ratos agobiante, a ratos excitante... no sé, le veo un algo muy especial a este tema =)

With twilight as my guide es realmente encantadora. Quizás algo lenta y larga en exceso... pero merece la pena. Cedric tiene una voz realmente armoniosa, y aquí se luce a base de bien. Un tema para pasear por los sueños. A mi en algunos momentos me recuerda a los Pink Floyd mas sinfonicos... pero no lo digo muy alto, que mucha gente me lo ha negado y encima se han cabreado por la comparacion.

Cotopaxi es la encargada de romper la rutina a la que se iba encaminando el disco... y se convierte, como no, en el temazo sobresaliente del disco (estos si que saben elegir singles). Con ritmo, con cambios vocales de infarto y con una batería que madre mia. Tremendísima, y totalmente recomendada para aquel que quiera iniciarse y conocer (si es que se puede, porque yo por mas que los escucho tampoco termino de hacerlo) de que va del grupo.

Desperate graves es también algo típico de Mars Volta. Un tema extraño, inesperado, sorprendente. Aunque me gusta mucho, es la que menos gracia me hace del disco... y a veces es la que más me gusta. Es como si costara engancharse a ella, por su extrañeza quizás... pero a mitad del tema sientes que decir "que no te hace gracia" es pecado. Es rara, porque es como si estuvieras escuchando varias canciones en una, en un corto periodo de tiempo.

Copernicus es otra cancion que sobrepasa los siete minutos, y, como es muy tranquila, le pasa como a with twilight as my guide, que se vuelve algo lenta... y quizás demasiado. A mi no me convence, pero para gustos, los colores psicodelicos de los mars volta.

Y, como todo lo bueno se acaba, Luciforms es la encargada de cerrar el disco. Empieza casi sin que te des
cuenta... tan poco a poco... tan sutil y delicadamente... pero en seguida descubres que estabas equivocado. No, no va a ser lo lineal que pensabas. Te suben y te bajan, te hacen viajar como si estuvieras bajo el efecto de alguna sustancia alucinogena. GRANDIOSA. Simplemente. No podrían cerrar mejor...

En fin... para concluir diré que, personalmente, no es ni será nunca mi disco favorito de Mars Volta, y que esperaba otra cosa totalmente distinta a la que me han dado. Es un gran disco, como toda su discografía, pero falto de algo... parece como si se hubieran centrado en sentir y hubieran olvidado que pueden hacer dos cosas a la vez: sentir y hacer grandes composiciones. Curiosamente diré que lo que más me suelo quejar yo es de los grupos fríos que derrochan virtusiosismo pero tienen sentimiento cero... en fin, no hay quien me entienda.
Pese a que es el disco que menos me gusta de ellos, es un gran trabajo, y si tuviera que darle nota no bajaría del 8.

Pink Floyd- Ummagumma

2010-12-06T12:14:00.004+01:00

Pink Floyd

Te guste o no el rock progresivo, los has escuchado. Te guste o no el rock progresivo has cantado a grito pelado "another brick in the wall" o has llorado mientras escuchabas "wish you were here" recordando a alguien que estaba lejos.
Pero Pink Floyd son mucho más que un grupo de canciones Himno. Pink Floyd fueron uno de los grupos más novedosos de la escena del rock progresivo de los 70s.
Pink Floyd viajaron a través de lo desconocido, y se sumergieron de lleno en un mundo de posibilidades nunca vistas hasta entonces. Experimentaron con la música, jugaron con la música. Hicieron de ritmos, notas y sonidos mucho más que canciones agradables a la escucha.
Hicieron mágia, y dieron una vida y una personalidad propia a cada canción... a cada disco.

Te guste o no el rock progresivo, los has escuchado. Te guste o no el rock progresivo has cantado a grito pelado "another brick in the wall" o has llorado mientras escuchabas "wish you were here" recordando a alguien que estaba lejos.
Pero Pink Floyd son mucho más que un grupo de canciones Himno. Pink Floyd fueron uno de los grupos más novedosos de la escena del rock progresivo de los 70s.
Pink Floyd viajaron a través de lo desconocido, y se sumergieron de lleno en un mundo de posibilidades nunca vistas hasta entonces. Experimentaron con la música, jugaron con la música. Hicieron de ritmos, notas y sonidos mucho más que canciones agradables a la escucha.
Hicieron mágia, y dieron una vida y una personalidad propia a cada canción... a cada disco.

Ummagumma es un claro ejemplo de disco con personalidad propia. Incomprendido por muchos (incluso por propios seguidores de la banda) y rodeado por un halo de misterio, este doble album sigue guardando sus propios secretos, sigue albergando sabores nuevos... a la espera de un oido amigo al que susurrarle mágicos y extraños sonidos.

El disco

Ummagumma es el cuarto album (album doble) de estudio de Pink Floyd, aunque lamentablemente, en muchas discografías sigue sin aparecer como album.
El primer disco consta de cuatro temas ya conocidos interpretados en directo. Más... no es un simple disco en directo. Las canciones son representadas con una esencia distinta a la canción original de estudio, cambiando e improvisando ciertas partes y convirtiendolas en canciones conocidas, pero totalmente nuevas.

Encontramos Astronomy Domine del primer disco del grupo, The Piper at the gates of dawn, compuesta por el increible Syd Barret. Uno de los primeros temas del género conocido como "Space Rock". Un viaje espacial a las estrellas y a universos desconocidos... aunque, en Ummagumma, con una gran ausencia: la del propio compositor del tema, que debido a su locura y a ser un gran consumidor de LSD estaría teniendo sus propios viajes.

Careful with the Axe, Eugene, es un tema que oficialmente nunca se incluyó en ningún disco. Aparece por primera vez en una cara B de un single de la banda titulado Point me at the sky. La primera vez que aparece de forma oficial en un album de Pink Floyd lo hace curiosamente aquí, aunque en su versión en directo.

Set the controls for the heart of the sun, del segundo album A Saucerful of Secrets. Una de las canciones más solemnes y poéticas del grupo.

A Saucerful of Secrets, también, como no, del A Saucerful of Secrets. Un misterioso tema llena de mensajes ocultos y voces sin sentido abiertas a libre interpretación de significado.

El segundo disco de Ummagumma está compuesto por cinco temas (12 en realidad, porque tres de los cinco temas están divididos en partes).
Cada tema está compuesto por un miembro del grupo, por lo que son muy distintos entre sí, pero todos ellos tiene una atmósfera psicodélica similar. Cada uno de ellos es bastante experimental, llevando la capacidad de improvisación y creatividad de cada miembro al máximo.

Sysyphus (dividido en cuatro partes) fue el tema creado por el difunto teclista Richard Wright. Un tema oscuro, siniestro y pesado, en el que el peso de la canción recae en multitud de solos de piano, que en ocasiones suavizan la rudeza del tema y en otras le dan un toque aun más delirante y loco. Percusiones y sonidos psicodélicos (sobre todo en la parte 3 y sobre la mitad de la parte 4) que hacen de Sysyphus el tema perfecto para reflejar el trance de una mente a la locura.

Grantchester Meadows fue una de las dos canciones que el genio compositor Roger Waters escribió para este disco. Es un tema suave, tranquilo, con cierto aire folk, una guitarra acústica y unas voces muy armoniosa con aire muy a The Beatles. Durante toda la canción, se oye, como si se tratase de una base 'bakala' el piar de un pájaro... y en ocasiones el tranquilo fluir de las aguas de un riachuelo. Un tema para cerrar los ojos e imaginar que estás a la orilla de un río en un día soleado y tranquilo.

Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict (varios tipos de pequeños animales peludos...) un titulo extraño para una canción extraña, la segunda de Roger Waters en el disco. Lo original de esta canción es que no se utiliza ningún instrumento. Es una composición a base de sonidos y voces a las que le cambiaron la velocidad para lograr un efecto psicodelico y realmente extravagante. Resulta agobiante en ocasiones... pero es lo que se puede esperar de una canción de género "avant-garde".
CUIDADO, puede acabar por volverte loco

The Narrow Way es la canción mezcla estilos del recién incorporado a la banda por aquel entonces David Gilmour. Ya había estado en el disco anterior, pero este es el primer tema que compone para Pink Floyd. Está dividida en tres partes. La primera, con un toque bastante blues debido a la utilización de la guitarra slide, la segunda más psicodélica, con un toque más siniestro y extraño, y la tercera es más progresiva, un trabajo más currado y con un tratamiento más profesional de melodia y voces.

The Grand Vizier's Garden Party, la última canción del disco, a manos del batería Nick Mason. Dividida en tres partes (entrance, entertainment y exit). Lo innovador de esta canción es que está compuesto sobre todo a base de solos de batería en un gran y cuidado trabajo de percusionista por parte del autor del tema. Tensamientos de cajas y timbales, flautas, efectos alucinantes... un tema realmente original.

Ummagumma es un disco, como muchos dicen, para verdaderos fans de Pink Floyd, o simplemente, para gente con una predisposición adecuada para descubrir nuevos sonidos y recibir de buen agrado ideas creativas e innovadoras.

Reconozco que su escucha, en especial los temas más extraños, son algo difíciles de coger y escuchar. No es de fácil escucha, pero su escucha es muy recomendada. También es bueno escuchar el disco sabiendo que se hizo en el año 1969. La mayoría de efectos que nosotros encontraríamos simplones o que no terminamos de entender por aquella época era romper con los límites que hasta entonces tenía la música y utilizar y experimentar un gran número de recursos que todavía no se habían tocado.

Mi nota personal para el disco es un 9'5.

Es uno de los discos a los que más cariño le tengo. Lo escuché a temprana edad y llegué a pasar pánico con algunos temas... no sabía por aquel entonces, que a pesar de ser una niña lo escuché mejor que muchos adultos podrían haberlo escuchado: me dejé llevar, dejé que la música me transmitiera emociones. Cuando crecí y lo volví a escuchar con un oído crítico y unos conocimientos musicales más desarrollados descubrí que aquel disco que me daba miedo de pequeña me daba miedo porque en realidad es una obra maestra.

Tanto este, como los próximos artículos del blog, serán publicaciones tomadas del anterior blog. Pronto, cuando termine la mudanza del todo y me haga a esta herramienta, empezaré con cosas nuevas

Los primeros Scorpions, Lonesome Crow

2010-11-27T19:24:00.001+01:00

2010 empezó con el anuncio de la retirada de Scorpions.
Klaus Meine, cantante y líder de la banda, anunció mediante un comunicado en la página oficial del grupo que estos habían llegado a su fin, y se despedían de sus millones de fans con Sting in the Tail. Para despedirse, aparte del disco, anunciaron una macrogira mundial, que les tendría ocupados en un show tras otro (por lo que veo en la página, todavía no hay fechas en España).

Scorpions es, quizás, uno de los grupos más conocidos del 'heavy-hard rock' de todos los tiempos. Sus baladas, sus himnos... han conquistado el corazón de millones de personas, tanto amantes del género como personas que este tipo de música no está entre sus favoritos. ¿Quién no ha escuchado alguna vez "Still Loving you" "Wind of change" o "Rock you like a Hurricane"? Sus temas más conocidos destacan siempre en discos recopilatorios: que si las mejores canciones de amor... que si los grandes temas del heavy... que si patatín, que si patatán.

Todos conocemos el lado más comercial de Scorpions. Pero, antes de llegar a convertirse en esa máquina de hacer temas que se venden como rosquillas, Scorpions tiene un pasado muy interesante.

Recordemos, que el grupo nace a mediados de los 60s, y su primer disco ve la luz en el 72. Influenciados por la movida de los 60s y los 70s, el primer álbum que ve la luz es, como no, bastante progresivo y "misterioso"

Lonesome Crow (1972)

Este primer disco, cuenta con la presencia de los hermanos Schenker a las guitarras, Rudolf y Michael (este último sólo aparece en este álbum, pues, como muchos sabreis, pasó a formar parte de UFO).
Es un disco muy de la época, progresivo, bastante oscuro y misterioso. Recomendable para todo amante del progresivo. Las guitarras de los hermanos, bastante carecterísticas, se complementan genial y dan lugar a un trabajo magnífico. Ritmos cabalgantes, variaciones increiblemente interesantes, atmósferas a veces oscuras y a veces psicodélicas.
Para el que no lo haya escuchado, fijo que se sorprende de que Lonesome Crow sea un trabajo de Scorpions.

Si tuviera que recomendar algún tema del disco, me quedaría con los dos temas más misteriosos del disco:

Leave me: Una oscura queja por un amor que te abandona. Es un tema angustioso, bastante lineal, hasta a partir del minuto 4, donde una poderosa guitarra rompe en solo desesperado, acompañado de unos quejidos vocales que le dan una furia meláncolica deliciosa.

Lonesome Crow: No sólo da nombre al disco, sino que para mi es el mejor tema del disco... y el mejor tema de Scorpions. La voz de Klaus siempre me ha gustado... pero en este tema, con esas 'arrastradas', esos gritos desesperados... fabuloso. Os recomiendo encarecidamente que le deis no una... sino mil escuchas, porque merece la pena.

Welcome to the machine

2010-11-19T19:57:00.000+01:00

Sé bienvenido.

A pesar del titulo del blog y la canción con la que doy la bienvenida, esta no es una página exclusivamente floydiana.

Antiguamente, esta humilde escritora poseía un pequeño blog en la coctelera. Por motivos que no vienen a cuento, he decidido adentrarme en el mundo de blogger, pero el blog seguirá la misma línea que el anterior.

Tanto si eres nuevo por mis mundos, como si has leido alguna vez mi vieja coctelera, te cuento lo que encontrarás por aquí:
De todos los millones de blogs de música que encontrarás por la red... no te miento: este es uno más. Sin embargo, mi enfoque quizás resulte distinto a la mayoría.
Aquí no importan los estilos, los años o los componentes técnicos de canciones y grupos (eso sólo son detalles, datos). Lo que aquí encontrarás no se te ofrece para que lo escuches con las orejitas; escucha con el corazón, visualiza el alma de las canciones y trata de ver más que simples palabras que te hablan de un tema, de un grupo, de un concierto, de un disco...
La música está hecha para disfrutarla con los sentidos. No te cierres al oído. Acaricia las texturas, olfatea sus dulces aromas, disfruta del sabor de las notas, ve los colores de los ritmos... sueña, porque la música es la llave que más te acercará a tus sueños mientras estás despierto.

Si admites un consejo, no cierres tampoco tu gusto musical a un único género. La música no tiene límites, no cometas el error de ponérselos tú.
Este blog, aunque estará sobre todo al progresivo, no se cerrará a él. Una de mis grandes aficiones es buscar y encontrar nuevos grupos que, independientemente del género o el país, me aporten algo nuevo y conecten conmigo.
Tienes toda la libertad del mundo para recomendar lo que quieras, a mi o a cualquier posible lector... o para hacer cualquier tipo de sugerencia.

Con este rollazo, queda inagurado el blog.