viernes, 14 de diciembre de 2012

Sobre talibanes musicales...

He tenido millones de veces la misma discusión. La música comercial vs la música de"calidad". Mis conversaciones musicales suelen ser con gente con la que comparto gustos, gente que comparte mis conocimientos (y los supera) sobre la música y que ha dedicado las mismas horas que yo a escuchar y analizar música... y se escandalizan cuando en mis listas de reproducción, después del Adagio de Albinoni salta un tema de James Blunt y después una tema de King Crimson... y después un tema electrónico de los 90s.
Hay mucho cerrado por el mundo, gente cuya única forma de entender la música es a través de la perfección musical. Los hay que se cierran en lo considerado como música culta. Los hay que se cierran en música "auténtica", dentro de las ramas de un mismo género (vease por ejemplo, el rock progresivo setentero vs. el considerado como neo pro actual). Los hay que se cierran en la movida underground y rechazan la comercialidad de un género (miles de ejemplos en miles de estilos: pop rock, hip-hop, heavy metal...).
Y yo los odio a todos ellos. Los odio, porque tratan de racionalizar la música de algún modo. Los odio porque tratan de IMPONER no sólo sus gustos, sino su forma de sentir... porque amigos, la música no es matemáticas. No es nada exacto ni absoluto. La música es, como siempre digo, energía y magia. Tratar de escucharla con la cabeza es absurdo; se escucha no sólo con los oídos, sino con el corazón. Se escucha con los recuerdos, con los sueños, y con el cuerpo. 

¿Por qué ha de tener más valor una pieza de música renacentista que la última canción de David Guetta? Es un ejemplo extremo, lo sé. Pero para alguien que no tiene el oido educado, es completamente comprensible que una pieza renacentista pueda parecer aburrida y tediosa, y, en cambio, la última canción de David Guetta no sólo hable de algo que entiende y siente, sino que hace que se le meta el ritmo en el cuerpo y le haga vivirla de forma especial. No puedes criticar lo que una persona siente y entiende. Evidentemente, musicalmente una pieza clásica va a tener más "calidad", pero por Dios, ¿qué importa eso? ¿De qué sirve algo perfecto si no se puede disfrutar?

Algo similar a lo que hablo encontré releyendo el "Lobo Estepario" (recomendadísimo). Una conversación que Harry Haller, el lobo estepario, mantiene con un músico de la época. A día de hoy, se podría hacer un simil entre un músico profesional que prefiere hacer pop en vez de Jazz ;)

Me tropecé una vez con él en la calle, junto al muelle, y se me acercó sin más preámbulos. Esta vez conseguí por fin hacerle hablar.
-Señor Pablo -me dirigí a este joven, que jugueteaba con un fino bastoncilllo negro y plateado-, es usted amigo de Hermine, y ésa es la razón de que sienta interés por usted. Pero debo decir que no me resulta fácil la conversación con usted. He intentando varias veces hablar con usted de música; me hubiese interesado conocer su opinión, su criterio, oír sus objeciones; pero no se ha dignado darme ni la más pequeña respuesta.
Se echó a reír francamente y no se quedó ahora sin responder. Dijo con indiferencia:
-Mire, en mi opinión no tiene valor alguno hablar de música, jamás hablo de ella. Además, ¿qué hubiese podido responder a sus inteligentes y acertadas palabras? Tenía usted razón en todo lo que ha dicho. Pero, ya ve usted, yo soy músico, no un sabio, y no creo que en música tenga el menor valor estar en posesión de la razón. En la música, no es la razón lo que importa, ni el buen gusto ni la instrucción ni todo lo demás.
-Muy bien. Entonces, ¿qué es lo que importa?
-Que se haga música, señor Haller, que se haga música todo lo bien e intensamente que se pueda y tanta como se sea capaz. Eso es lo que importa, Monsieur. Si tengo en la cabeza todas las obras de Haydn y de Bach y puedo decir las cosas más inteligentes acerca de ellas, poco provecho podrán sacar otros de mí. En cambio, si cojo mi flauta y toco un shimmy corriente, la gente sentirá alegría lo mismo si es bueno que si es malo, se apoderará de sus piernas y se les meterá en la sangre. Eso es únicamente lo que importa. Eche una ojeada en torno suyo en una sala de baile en el momento en que comienza de nuevo la música después de un prolongado descanso y verá cómo brillan los ojos, cómo se estremecen las piernas, cómo empiezan a reír los rostros. Para eso se hace música.
-Muy bien, señor Pablo; pero no hay tan sólo música para los sentidos, la hay también para el espíritu. No existe la que únicamente se está ejecutando en este preciso momento, sino que también la hay inmortal, imperecedera, que continúa viviendo aunque dé la precisa casualidad de que no se toque. Cualquiera, echado en la cama, puede traer a su memoria una melodía de La flauta mágica o de La pasión según san Mateo, y entonces existe la música sin necesidad de que siquiera una persona sople en una flauta o pase el arco por un violín.
-Cierto que sí, señor Haller. También el yearning y Valencia son reproducidos en silencio por personas solitarias y soñadoras; incluso la más pobre mecanógrafa, mientras está en su oficina, tiene en la cabeza la música del último onestep y teclea al compás de esta música. Tiene usted razón. Para mí, todas estas personas solitarias disfrutan de con su música silenciosa, lo mismo si se trata de La flauta mágica que si es el yearning o Valencia. ¿De dónde, si no, sacan su música silenciosa estas personas solitarias? De nosotros, de los músicos. Tiene primero que ser tocada y ha de entrar en nuestra sangre antes de que en sus habitaciones puedan recordarla y soñar con ella.
-De acuerdo -repliqué con frialdad-. Sin embargo, no es posible colocar en el mismo plano a Mozart y el último foxtrott. Y no es lo mismo tocar para los demás una música divina e inmortal que una música barata que es flor de un día.
Cuando Pablo notó el tono de excitación en mi voz, puso al instante la más amable de sus caras, me tocó el brazo con gran afecto y dio a su voz una ternura increíble.
-¡Ah, querido amigo, es posible que tenga usted toda la razón con eso de los planos! Desde luego, no tengo nada en contra de que ponga usted a Mozart, Haydn y Valencia en el plano que más le acomode. Me da lo mismo, no tengo que decidir nada sobre la cuestión de los planos, no piden mi opinión al respecto. Quizás la música de Mozart sea ejecutada todavía dentro de cien años, en tanto que Valencia ya no se vuelva a escuchar dentro de un par de ellos; pero creo que esto podemos dejarlo tranquilamente en manos de Dios, que es justo y dispone de la existencia, tambien la de cada bailarín y de cada foxtrott; Él decidirá lo que sea justo. Los que tocamos música, sin embargo, tenemos que hacer lo nuestro, lo que es nuestro deber y obligación: tocar lo que la gente aspire a oír en el preciso momento, y tenemos que hacerlo lo mejor y más bellamente que podamos.
Abandoné la discusión, suspirando. No había manera de convencer a este hombre.
                                                               El lobo estepario, Herman Hesse.

miércoles, 5 de diciembre de 2012

Grandes temas I: Rush - 2112

Mucho tiempo ausente... muchos meses... pero nunca es tarde. Bienvenido de nuevo, a Set the Controls for the Heart of the Sun.

Nunca podremos definir exactamente qué es lo que tiene un tema que hace que se convierta en un "temazo". Nunca podremos saber qué es lo que hace que un tema triunfe y otro no. Nunca podremos estar de acuerdo con todo el mundo.
Pero lo cierto es, que en la historia de la música hay temas que, quizás, se esperase que pasasen desapercibidos, y, contra todo pronóstico, triunfan.
Quizás se trate de una melodía contagiosa, una composición virtuosa, una letra poética... o quizás, simplemente, de un "algo" mágico que acaricia nuestros sentidos a niveles que no esperabamos sentir.
Hay miles de temas mágicos. De esos que no puedes dejar de escuchar. De esos que descubres algo nuevo en cada escucha: una nueva emoción, un nuevo recuerdo, una nueva revelación...
Aunque eso de los "temazos", como todo, es algo muy personal... he decidido que compartir mis temazos es la mejor forma de retomar esto y seguir compartiendo, como siempre, un pedacito de mi a través de la música.

Rush es una de las grandes formaciones de progresivo nacidas a mediados de los 70s. Aunque los más puestos en este género les tengan como grandes, lo cierto es que son un grupo relativamente desconocido en nuestro país (cosa no me explico, NO ME EXPLICO).
Su formación de oro llegó al finalizar su primer album de estudio, incorporando a la formación original (Geddy Lee-cantante, vocalista, teclados y Alex Lifeson-guitarrista) a Neil Peart, probablemente uno de los mejores bateristas de la historia.

Pero no, no hablemos de Rush. Hablemos de 2112.

El disco 2112, lanzado en 1976, no era lo que la discográfica exigía a Rush. La discográfica no quería otro album conceptual. Aún sí, Rush se empeñaron, y en contra de las exigencias consiguieron sacar el disco.
Contra todo pronóstico, triunfaron en las listas y el disco logró ser oro en ventas.
2112 es la suite que da nombre al disco, dividida en siete partes, que nos cuenta una fantástica historia futurista.
Pero 2112 no es sólo una historia fabulosa. 2112 es arte. 2112 es el teatro, el cine hecho música. No es sólo la letra lo que nos cuenta la historia. La interpretación vocal de Geddy Lee nos hace diferenciar entre los personajes, nos expresa su furia, su tristeza, su desconcierto. Recorremos campos de batalla a través de los golpes de batería de Peart...
2112 no es simplemente un tema. 2112 es una experiencia musical.
¡Disfrutadla!


I. Overture
II. Temples of Syrinx
III. Discovery
IV. Presentation
V. Oracle: The Dream
VI. Soliloquy

I. OVERTURE (0:00-4:33)

Desde hace años, la galaxia se sumió en una larga guerra que parecía no tener fin. Las máquinas luchaban contra los hombres para someterles... hasta que en el año 2062, la batalla llega a su fin. Los hombres se rinden ante las máquinas. La civilización cae en manos de la Estrella Roja de la Federación Solar. Sólo queda ser sometido... o exiliado.

"Y los humildes herederán la tierra"

II. Temples of Syrinx (4:33-6:47)
Es el año 2012. Los líderes de la Estrella Roja de la Federación Solar son los Sacerdotes del Templo de Syrinx. Ellos imponen su voluntad a la humanidad. Nadie camina sin su permiso... nadie pregunta, nadie siente más de lo que le dejan sentir. Ellos tienen el control, sobre la Tierra, sobre el hombre... sobre todo. La sociedad funciona perfecta. Trabajo. Sólo trabajo. 

Hablan los Sacerdotes:
"Hemos tenido cuidado con todo.
Las palabras que escuchas, las canciones que cantas
las imágenes que dan placer a tus ojos.
Es uno para todos y todos para uno
Trabajamos juntos, hijos comunes.
No es necesario cuestionarse cómo o porqué

Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Nuestros maravillosos ordenadores llenan los santos salones.
Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Todos los dones de la vida
tienen lugar dentro de nuestras paredes.

Mira alrededor, lo que hemos creado,
igualdad de nuestras acciones en el comercio.
Ven y únete
a la Hermandad del Hombre.
¡Oh! ¡Que bueno! Un mundo contento,
deja que las banderas sean desplegadas
¡Sostén la Estrella Roja alto con orgullo!

Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Nuestros maravillosos ordenadores llenan los santos salones.
Somos los Sacerdotes, de los templos, de Syrinx.
Todos los dones de la vida
tienen lugar dentro de nuestras paredes."


III. DISCOVERY
(6:47-10:16)
Un hombre decide salirse del rebaño. Un hombre decide explorar. Y, explorando, se encuentra una guitarra. Las guitarras, como cualquier otro elemento que motive al hombre a sentir, a crear... fueron destruidas hace muchos años, por lo que nuestro hombre, curioso, descubre por sí mismo todo lo que puede hacer con ese instrumento.
Se maravilla de que el sonido que proviene de las cuerdas le haga sentir alegría, tristeza. E imagina que algo así sólo puede ser bueno para el hombre.

Habla "Starman"

"¿Qué puede ser este extraño aparato?
Cuando lo toco un poco hace sonido...
Tiene alambres que vibran... y hacen música.
¿Qué puede ser esta cosa que he encontrado?

Mira como canta... como un corazón triste
que alegremente saca fuera su dolor.
Sonidos que se elevan tan alto como una montaña
o... notas que caen... suavemente... como lluvia.

No puedo esperar para compartir esta nueva maravilla.
Todo el mundo verá su luz.
Todos podrán hacer su propia música.
¡Los Sacerdotes alabarán mi nombre esta noche!"

VI. PRESENTATION (6:47-10:16)
Starman se presenta ante los sacerdotes. Les enseña la guitarra y espera ilusionado que lo feliciten por su descubrimiento.
Pero los sacerdotes no quieren que un elemento de creación vuelva a pervertir la mente del hombre y lo descentre de sus responsabilidades. Culpan a estos "juguetes" del fracaso del ser humano en la antiguedad.
Starman.

Habla Starman
Sé que es algo bastante inusual
presentarme aquí ante ustedes.
Pero he encontrado un antiguo milagro
que pensé que ustedes deberían conocer.
Escuchas mi música.
Oigan lo que puede hacer.
Hay algo aquí, tan fuerte como la vida.
Sé que les llegará.

Hablan los Sacerdotes
Sí, lo conocemos, no es nada nuevo
Es sólo una pérdida de tiempo.
No necesitamos de las antiguas costumbres
Nuestro mundo va bien.
Es otro juguete que ayudó a destruir
a la antigua raza del hombre.
Olvídate de ese absurdo capricho
No se ajusta al plan.

Habla StarmanNo puedo creer lo que me están diciendo...
lo que dicen no puede ser verdad.
Nuestro mundo podría usar esta belleza...
sólo piensen lo que podríamos hacer.
Escuchen mi música.
Oigan lo que puede hacer.
Aquí hay algo tan fuerte como la vida.
Sé que les llegará.

Hablan los Sacerdotes¡No nos molestes más!
Tenemos mucho trabajo que hacer.
Sólo piensas en lo mediocre.
¿De que servirían que lo tuvieran?
Es otro juguete que ayudó a destruir
a la antigua raza del hombre.
Olvídate de ese absurdo capricho.
No se ajusta al plan.

V. ORACLE: THE DREAM (10:16-13:58)
Dolido con la decisión de los Sacerdotes... Starman se duerme y cae en un profundo sueño. En el sueño viaja al pasado, y descubre cómo eran las cosas antes de que la Estrella Roja de la Federación Solar tomara el poder. Descubre la magia, el arte... descubre que la vida no era sólo trabajo.
En el sueño también ve que no todos los hombres se sometieron al control de las máquinas. Que los "antiguos" todavía existen, y están dispuesto a luchar por recuperar lo que es suyo.

Starman
"Deambulé hasta casa a través de calles silenciosas
y caí dentro de un inquietante sueño.
Escapé hasta reinos más allá de la noche
Sueño, ¿no puedes mostrarme la luz?

Estoy al borde de una escalera de caracol
Un oráculo me lleva hasta ahí.
Él me lleva hacia años luz de distancia
hasta noches astrales, días galácticos.
Veo obras de manos talentosas
la gracia de esta estraña y maravillosa tierra.
Veo la mano resurgir
con la mente hambrienta y los ojos abiertos.

Ellos dejaron el planeta muchos años atrás.
La antigua raza continua enseñando y creciendo.
Su poder crece con el fuerte propósito
de reclamar el hogar al que pertenecen
De sacarlos de ahí, y derrumbar los Templos.
¡Cambio de hogar!"

VI- SOLILOQUY (13:58-15:58)
Starman no quiere volver a vivir en la sociedad perfecta de las máquinas. Pese a que sólo lo ha conocido en sueños... añora ser un ser humano libre y tener derecho a sentir, a crear, a pensar.

Starman
"El sueño todavía está en mi ojos...
El sueño todavía está en mi cabeza.
Exhalo un suspiro y una sonrisa triste
Y descanso un rato en la cama.
Deseo que algun día
pudiera llegar a pasar
y no se desvaneza como todos mis sueños...

Sólo pienso en lo que mi vida podría llegar a ser
en un mundo como el que vi.
No creo que pueda continuar...
continuar con esta vida fría y vacía.

Mi espíritu está inmerso en las profundidades de la desesperación
Mi alma... se derrama..."

VII. THE GRAND FINALE (15:58-18:19)
Los antiguos vuelven, tal como profetizó el sueño de Starman. Reclaman lo que es suyo. El combate entre las máquinas y el hombre vuelve a comenzar... y esta vez, los humildes heredan la Tierra.
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Atención a todos los planetas de la Federación Solar!
¡Hemos tomado el control!
¡Hemos tomado el control!
¡Hemos tomado el control!

viernes, 13 de enero de 2012

Mussorgsky, Ravel y Emerson, Lake and Palmer - Cuadros de una exposición

Quizás os resulte extraño que catalogue como disco "Cuadros de una exposición"... y más aún que incluya a dos compositores clásicos diferentes y a Emerson Lake and Palmer, rock progresivo. Pero todo tiene una explicación.

Hemos de remontarnos a 1873, año en el que el pintor, arquitecto y escultor, Viktor Hartmann fallece antes de alcanzar los 40 años de edad. Un año siguiente, en 1874, más de 400 trabajos del artista ruso se exponen en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. Para el que no lo conozca, decir que las pinturas y las ilustraciones de Hartmann calaron hondo en la arquitectura rusa, y gracias a él se desarolló un importante estilo arquitectónico que, a día de hoy podríamos considerar como puramente ruso.





Modést Mussorgsky, el célebre compositor ruso, era íntimo amigo de Hartmann, y tras acudir a la exposición de las obras en la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo, decidió crear la suite que da nombre al hilo, cuadros de una exposición.
Sobre Mussorgsky hay que destacar que fue toda una revolución para la música rusa, ya que él, junto al conocido como "grupo de los cinco", compuesto por Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Kórsakov, Aleksandr Bordodín, César Cui y el propio Mussorsgky, trataron de cambiar la música rusa y hacerla suya, quitando en medida de lo posible toda influencia europea.
Seguro, que por extraño que os resulte el nombre, todo el mundo conoce al menos una pieza de Mussorgsky: Una noche en el monte pelado (Night on the Bald Mountain), que, entre otros sitios, se puede escuchar en la magnífica pelicula de Disney Fantasía

Mussorgsky no es un compositor complicado. Su música, mayormente compuesta para piano, es realista y sin sobrecargas. Las melodías se centran en narrar, puesto que la melodía principal de sus composiciones parece imitar siempre la palabra hablada. Pese al realismo y la "sencillez" de la que hablamos, el ruso es capaz de crear atmósferas sencillas pero efectivas.
Cuadros de una exposición (Suite Hartmann) es considerada por muchos expertos como la gran obra de Mussorgsky. Mussorgsky dejó parte de su alma en ella, y testimonios de la época aseguran que el tiempo que dedicó a su composición fue casi enfermizo, sin apenas comer, beber ni dormir. Pese al tiempo y la dedicación, Mussorgsky no llegó a publicar su trabajo en vida, ya que no fue publicado tras cinco años de su muerte, en 1886.

Muchos son los que aseguran que Cuadros de una exposición habría pasado inadvertida ante los ojos de la historia si, en el siglo XX, un compositor francés no se hubiera fijado en ella.
Maurice Ravel tomó la obra de Mussorgsky y la orquestó, pues Mussorgsky la compuso única y exclusivamente para piano. La sencillez del piano quedó adornada con unas composciones exquisitas de vientos, metales y cuerdas que acompañaban a la voz principal del piano. De hecho, pese a que la adaptación es muy fiel en la linea, casi todas las adaptaciones que escuchemos de Cuadros de una exposición estarán más basadas en la adaptación de Ravel que en la del autor original.
Ravel, es mucho más conocido por ser un compositor mucho más actual. Obviamente, no sólo es un arreglista brillante, sino que es un compositor fabuloso. Pondría la mano en el fuego a que todo el mundo ha escuchado el famoso Bolero de Ravel.


Y, finalmente, cuando la música clásica quedaba ya aparcada en un segundo plano, cada vez más alejado de la juventud, las tendencias y los medios, uno de los grupos estrella de los 70s, Emerson, Lake and Palmer retomaba la obra Cuadros de una Exposición y, Mussorgsky estaría realmente orgulloso, pues su homenaje a su amigo Hartmann, ha sido recordado, ha sido admirado y respetado en tres épocas totalmente distintas: S. XIX, S. XX y S. XXI
Para el que no conozca a Emerson, Lake and Palmer, y puesto que lo he hecho con los dos compositores clásicos, un regalito.
CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN



Desconozco qué hizo a Mussorgsky seleccionar estos cuadros y no otros. Mussorgsky tenía en su propiedad varios cuadros del artista (que cedió para le exposición en honor a su amigo), pero no sé cierto si la obra la hizo para los cuadros que él poseía o bien para sus cuadros favoritos o que consideraba más representativos.
Lamentablemente, no se conservan todos los cuadros que Mussorgsky seleccionó, por lo que en muchos cuadros, tenemos que fiarnos del trabajo descriptivo de la música (obviamente, también de una pequeña descripción de la pintura) para ver el cuadro.

1. Promenade
2. Gnomus
3. Promenade
4. The Old Castle
5. Promenade
6. Tuileries
7. Bydlo
8. Promenade
9. Ballet of the Chickens in their Shells
10. Samuel Goldenburg & Schmuyle
11. The Market Place at Limoges
12. Catacombae
13. Cum Mortuis in Lingua Mortua
14. The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)
15. The Great Gate at Kiev

Promenade, obviamente, no es uno de los cuadros de Hartmann. Aparece en diferentes momentos de la suite, y aunque siempre parece sonar igual, presenta ligeras variaciones dependiendo del momento de la suite. Se encuentra al inicio, y nos da la bienvenida para dirigir nuestros pasos al interior de la Academia Imperial de las artes de San Petersburgo. También se encuentra en diferentes momentos de la suite, como bien hemos dicho, sirviendo de tránsito para ir de un cuadro a otro. Nos transmite la solemnidad del edificio, la solemnidad de los pasillos que recorreremos para caminar de una pintura a otra.
Mussorgsky hizo Promenade sencilla, para piano, y Ravel dejó de lado completamente el piano para centrar todo el protagonismo del avance en el fagot y en una cama de cuerdas que la da mucha más sobriedad al tema. ELP dejan que los sintetizadores de Keith lleven todo el peso del tema y que la batería Palmer acentúe partes puntuales.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Gnomus es el primer cuadro que la obra de Mussorgsky narra con música... y también es el primer cuadro perdido.
Se dice que Gnomus era un cascanueces con forma de gnomo de dientes afilados. La música es bastante inquietante, por lo que nos hace imaginar que el cuadro de Hartmann representaría a un ser con alma malvada.
Mussorgsky hizo un trabajo excelente con este tema... pero la versión orquestada de Ravel le da un aire mucho más tétrico con las cuerdas poniendonos en tensión y el pesado metal haciendonos sentir que en cualquier momento, el gnomo que Hartmann dibujó nos va a aparecer detrás. La versión de ELP es menos misteriosa quizás que la de Ravel, pero, en cambio, suena mucho más peligrosa, como sacada de una pelicula de terror.

Versión Mussorgsky

Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Il vecchio castello (The old castle): Otro cuadro perdido... Este cuadro representaba un viejo castillo medieval, posiblemente con aires orientales, y, bajo uno de sus balcones, destaca la figura de un trovador. La pieza transmite una profunda tristeza. Quizás Mussorgsky se ve reflejado en el trovador, que llora con su lira ante los pies de una edificación de su amigo arquitecto.
En esta pieza, destaca sobre todo (a mi gusto, por supuesto) la versión original con el piano. Queda mucho más intima, más personal... y en la versión orquestada de Ravel, pese a que coge un color más llamativo, obviamente se pierde la mágia. Y bueno... la versión en directo de ELP es muy grande, pero lejos, muy lejos de la composición original o de lo que la obra buscaba transmitir en esta pieza.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel
Versión Emerson, Lake and Palmer

Tuileries, como no, también se ha perdido. El cuadro nos mostraba una vista del Jardín de las Tullerías, en París, en el que aparecían un numeroso grupo de niños jugando en el.
Mussorgsky hace una pieza corta y alegre, que quizás quede algo sosa sólo con el piano. En cambio, Ravel le da una viveza y una brillantez a la pieza al poner la voz principal a las flautas, flautines y clarinetes.

Versión Mussorgsky

Versión Ravel

Bydlo
Otro cuadro perdido, si... Bydio, es una palabra de origen polaco utilizada para referirse a un carro tirado por un buey.
Mussorgsky compuso esta pieza para tocar de forma pesada con el piano (simbolizando el esfuerzo y el cansancio del animal) e ir incrementando su intensidad a mitad de la canción para dar la sensación de que la carreta se ha aproximado hacia nosotros... para ir bajando progresivamente la intensidad y que sintamos que se aleja. Ravel, muy acertadamente, le da el protagonismo a la tuba para simbolizar el bydlo.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Ballet de los polluelos en sus cascarones. Este cuadro si se conserva.
Este cuadro es un boceto de unos diseños que Hartmann realizó para un ballet.
Mussorgsky compone una pieza muy dinámica, en la que los toques del piano nos hace imaginar a los pollitos dando saltitos, cayendo e intentando ponerse en pie aún con el cascarón encima. Ravel decide recrear este divertido momento a base de violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Samuel Goldenburg & Schmuyle: También se conserva este cuadro... estos dos cuadros.
Son dos cuadros diferentes, que representan a dos judíos diferentes. El judío de la izquierda es pobre, y el de la derecha, rico.
Mussorgsky hace un elaborado tema, que, pese a su escasa duración, está dividido en varias partes. Una, con un ritmo, se refiere al rico, otra, con otro ritmo, al  pobre... y luego, los dos ritmos se juntan. Ravel, en su orquestación, asigna unos instrumentos a cada personaje: las cuerdas para el judio rico, y una trompetilla para el pobre.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Market Place at Limoges Este si está perdido... El cuadro representaba el mercado de la plaza de la ciudad francesa de Limoges. En el mercado, había un gran gentío, sobre todo mujeres que conversaban, compraban o discutian.
Mussorgsky crió un tema con un ritmo frenético que nos transmite el jaleo propio de un mercado. Ravel le da muchísima más credibilidad al mercado, con una cantidad de instrumentos haciendo de distintas voces cabalgando al ritmo frenético que imponen los violines.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Catacombae
Las tres figuras representadas en el cuadro son el propio Hartmann con un amigo y el guía, que les conduce a través de las catacumbas romanas de París.
Mussorgsky, para representar el cuadro, concede tanta importancia a los acordes firmes, como al silencio. Es una pieza enigmática e inquietante, sin lugar a dudas. Ravel vuelve a hacer mágia, y los acordes de viento metal logran un sonido mucho más inquietante y misterioso.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

Cum Mortuis in Lingua Mortua es la segunda parte de las catacumbas... vamos, que describe el mismo cuadro.
Mussorgsky, pese a que sigue con un toque ciertamente misterioso, baja la intensidad de la obra, pero mantiene el enigmatismo de las profundidas de las catacumbas.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel

The Hut on Fowl's Legs (Baba Yaga)

El cuadro era un boceto para el diseño de un reloj inspirado en la historia de la bruja Baba Yaga.
Baba Yaga es el hombre del saco, el coco ruso. Los padres amenazaban a los niños rusos con que si se portaban mal, vendría la bruja Baba Yaga a devorarlos, pues la mitología eslava afirma que Baba Yaga se alimenta de niños. Lo más curioso de la bruja, es su medio de transporte: Una cabaña que, para desplazarse, extiende unas enormes patas y es capaz de andar. Baba Yaga, con sus poderosos hechizos, podía controlar a este mágica casa y viajar de un lado a otro en su interior.
Mussorgsky y su piano logran una pieza muy elaborada, pesada, que describe el pesado caminar de la casa, y logra también un aire misterioso y peligroso para plasmar al supuesto habitante de la casa. Ravel y su orquesta, añade el elemento de la percusión para resaltar las pisadas. Emerson, Lake and Palmer hacen también una fabulosa adaptación, con unas partes muy tétricas y otras muy psicodélicas... y incluyen la novedad de añadir un pequeño fragmento vocal.

Versión Mussorgsky
Versión Emerson, Lake and Palmer

The great gate at Kiev


Este cuadro es un diseño para una puerta que se podría haber construido realmente. El Zar Alejandro II salió ileso de un intento de asesinato, y convocó una especie de concurso para arquitectos para edificar por toda Rusia cantidad de iglesias y monumentos. En el centro de Kiev se iba a edificar una gran puerta... y esa puerta iba a ser la del cuadro de Hartmann. Finalmente, no se llegó a realizar.
También cabe destacar, que el titulo original del cuadro es La puerta de los bogatyr y es otra clara alusión a la cultura rusa. Un bogatyr es un caballero medieval ruso, un héroe... y existen cantidad de poemas épicos y escritos sobre algunos bogatyr.
Tanto Mussorgsky como Ravel hicieron un estupendo trabajo, pues esta, sin lugar a dudas, es mi pieza favorita.

Versión Mussorgsky
Versión Ravel (junto al tema anterior "Baba Yaga"

sábado, 19 de noviembre de 2011

I Aniversario del blog

Os podrá parecer una entrada absurda, teniendo en cuenta lo poco que se actualiza Set the Controls for the Heart of the Sun.
Pero hoy hace un año exactamente que este blog publicó su primera entrada Welcome to the Machine, así que estamos de cumpleaños.

Durante este año, Set the Controls for the Heart of the Sun ha alcanzado las 8200 visitas, todo un gran logro para un blog tan pequeñito como este... gracias, sobre todo, a Pink Floyd, el grupo cuya canción Set the controls for the heart of the Sun da nombre al blog. La entrada Pink Floyd - The Wall alcanza las 3376 visitas, mientras que las dos partes de la Crónica que realicé sobre el concierto de Roger Waters en Madrid (parte Iparte II) suman entre ellas más de 500 visitas. Son números bastante importantes, para un triste blog que sólo cuenta con 17 entradas, asi que no os imaginais lo feliz que me hace. Quizás, algún día, este blog alcance el mismo número de visitas (21811) y participación que alcanzó mi antiguo blog en la coctelera Lady Sekhmet - La coctelera .

Para el segundo año del blog, prometo que seguirán habiendo muchas joyitas, grandes y conocidos grupos pero también muchos desconocidos y modestos, así como crónicas de todos los conciertos que mi economía me permita asistir... y música, bien sean canciones, noticias, anécdotas o curiosidades.

Muchísimas gracias a todos los que visitais el blog a menudo... y también a todos los que lo han visitado alguna vez, aunque solo haya sido una.
Por todos vosotros, el gran tema que da titulo a este espacio... en su versión en para el Live at Pompeii de 1971.

viernes, 28 de octubre de 2011

Chaos Symmetry

Como decían en el programa de radio Universal Mind, es muy dificil encontrar en España un grupo que haga rock progresivo puro. La mayoría tienden a "metalizarse", a hacer trabajos más parecidos a Dream Theater y grupos por el estilo... y al final, y perdonenme por lo que digo... todos acaban sonando igual (refiriéndome, sobre todo, a la escena progresiva... bastante escasa en nuestro pais). Se olvidan de la esencia del progresivo. De jugar con la música, de experimentar, de saborearla y hacer que los demás descubran matices nuevos, se dejen llevar...


Pero Chaos Symmetry son distintos. Chaos Symmetry recuperan la esencia de antaño, el gusto por las melodias cuidadas... fusionando la magia de los pioneros del género con la técnica y la maestría de grupos más actuales como The Flower Kings.
La juventud de sus miembros (ninguno sobrepasa los 30), da un aire fresco a la escena. Transmiten pasión en cada nota, y sus canciones nos permiten ver que no solo son músicos, sino que, ante todo, son amantes de la música.

Imagen tomada del videoclip "Cosmic Rain"

El caos se inició allá por 2006, en Murcia. Lo que empezó siendo un grupo de amigos que se reunían para disfrutar versioneando a sus grupos favoritos, fue tomando forma a medida que pasaba el tiempo.
En 2008, Chaos Symmetry sacó su primera demo, "The Universe on a String"... y el trabajo dió sus frutos, permitiéndoles ganar dos concursos a nivel regional: Creajoven 2008 y Ondanave Rock.
A finales de 2008, el grupo decide tomarse un descanso... hasta ahora.
A mediadios de 2010, Chaos Symmetry vuelve con más fuerza y energía, cambio de formación y un ligero cambio de estilo.
La formación actual es la siguiente:

Ricardo Ruíz - Keyboard, Piano, Organ and Synthetizer.
Guzmán "McFly" Sánchez- Chapman Stick and Bass Guitar.
Javier Mondéjar- Voice.
Jose Guardiola- Drums and Percussion.

En Febrero de 2011, los nuevos Chaos Symmetry se meten a estudio para grabar nueva demo, y a finales de verano, todas las pistas que componen su nuevo trabajo, titulado "Maybe Something, Maybe Nothing".

MAYBE SOMETHING, MAYBE NOTHING
La demo estuvo lista para finales de verano. Cuando terminaron de darle los últimos arreglos, todos los temas fueron colgados en la red, para que todo el que quiera pueda disfrutarlos de forma gratuita.
La presentación de la demo en directo, tendrá lugar mañana 29 de Octubre de 2011, en la sala Musik, en Murcia, por el módico precio de 2€... todo un chollo para cualquier amante de la música que quiera amenizar la noche del sábado con calidad.
Además, desde su página de facebook nos hicieron saber que en el concierto tienen una sorpresa muy especial...


Basta de chachara... porque aquí servidora se podría pasar horas escribiendo elogios, y lo que realmente importa es su música.
Todos los temas de la demo, listos para escuchar mediante youtube. Especial atención al videoclip de "Cosmic Rain", donde podreis ver al grupo en acción... y a Far Beyond the Skies, una de mis preferidas. Enjoy it!
Crazy Starband

Her

Rhythm of dreams




Far beyond the skies


Cosmic Rain- Videoclip

Crazy Starband (Revisited)

Sitios oficiales de Chaos Symmetry:

Facebook
Twitter

Youtube
Myspace


miércoles, 12 de octubre de 2011

Eloy- Ocean (1977)

El progresivo alemán es un gran desconocido entre el público.
En los 70s, los grupos de rock de alemania tenían una tendencia a decantarse por un progresivo muy cercano al denominado "space rock", y, a menudo, volaban tanto que acababan por unirse a la bandada del resto de grupos alemanes, que, irremediablemente, dirigian sus pasos al género por excelencia de Alemania: el Krautrock.
Fueron pocos los grupos que se mantuvieron fieles a sus inicios puramente progresivos y que apuntaban más al progresivo británico que al Krautrock... y entre ellos, hoy destaco a Eloy.
Logo de la banda... muy a lo Roger Dean, ¿no?
Eloy regresó en el pasado, allá por 1969... y digo regresó, porque, como conocerán los amantes de la ciencia ficción y de H.G Wells, los Eloi son una raza que habita el planeta en el año 802.701, según la novela La máquina del tiempo.
Los Eloi, en "El tiempo en sus manos", adaptación de la novela de Wells en 1960.

La grandeza de Eloy se basa en gran parte en la creación de unas atmósferas intensas, muy musicales, cargadas de toques de teclado y guitarras cargadas de efectos.
Lo que para mi gusto hace inconfundible al grupo es, sin lugar a dudas, la pronunciación tan alemana que le dan a las letras en inglés.


Frank Bornemann - Guitarra y voz
Klaus-Peter Matziol - Bajo y voces
Jürgen Rosenthal - Batería y voces
Detlev Schmidtchen - Teclados y voces

Tras 5 albums en los que Eloy iban en búsqueda de su sonido (los primero albums un tanto... caóticos, dejemoslo ahí), llegó, en 1977, la que sin lugar a dudas es su obra más célebre: Ocean.
Ocean es un album conceptual que gira en torno a la mítica Atlántida. Eloy crea de nuevo Atlántida para destruirla a través de cuatro temas largos:
Una mágica Poseidon's creation


Una dulce Incarnation of Logos:

Una más agresiva Decay of Logos (y su magnífica linea de bajo... ¡simple pero efectiva!)
Y una magistral agónica Atlantic's agony at June 5th-8498 P.M. Gregorian Earthtime
Son muchos los que tienden a comparar a Eloy con otros grandes del progresivo que estaban proximos al Space Rock por aquella época (véase Pink Floyd), pero las comparaciones siempre son odiosas.
Eloy goza de una personalidad fuerte que los hace únicos. Un sonido propio, trabajado y estudiado para transportarte a donde ellos quisieran... o a donde tú te dejaras llevar.

miércoles, 27 de julio de 2011

Hiromi (The Trio Project) XIV Festival Jazz San Javier (23-07-2011)

Para empezar a narrar el concierto de Hiromi Uehara voy a parafrasear a Joaquin Alfonso (@joaalf), escritor del blog VIPVAP, Cinema & Peace & Music: "Si no has ido a un concierto de Jazz, no has ido a un concierto", a la que añado: "y si no has ido a un concierto de Hiromi, no has ido a un buen concierto de Jazz hoy en día".

La enérgica Hiromi nos enamoró a las más de 1500 personas que asistimos a su concierto el pasado sábado 23, uno de los últimos conciertos del XIV Festival Internacional de Jazz de San Javier.
La japonesa sorprende, no sólo por su juventud y su maestría con el piano, sino por la facilidad que tiene para sentir y transmitir con sus pequeñas manos, por la facilidad para dejarte sin aliento cuando intentas seguir a sus ligeros dedos mientras ella sonríe y toca como si nada.

Esta vez (no es la primera vez que viene a San Javier) vino acompañada de dos auténticos monstruos que conforman su nuevo "Trio project", en la presentación del nuevo álbum Voice: el maestro a la batería Simon Philips y el genialísimo Anthony Jackson al bajo.

Las primeras notas de la primera canción nos dejaron claro que ibamos a ver aquella noche: un completo repaso a los mejores temas de su nuevo álbum.
Voice fue el tema elegido para abrirnos boca, con su inicio pesado, grave, que se abre poco a poco en un derroche de virtuosismo.
Destacable sin lugar a dudas el momento en el que el piano de Hiromi "baja de volumen" y la batería del gran Simon Philips se vuelve arrolladora, mas cercana a una bateria de heavy que de jazz, pero, con la cama del bajo de Jackson y las notas dulces del piano de cola se convierte en algo magnífico, una mezcla entre jazz, clásica y rock que me dejó con la boca abierta y la babilla colgando.
En directo mejora muchísimo, como era de esperar.

Ya en estos primeros minutos vimos que el trio se entiende a la perfección. La acústica del Auditorio era increible, aunque por poner una pega (que se deba seguramente a la ubicación que escogí en el recinto) el bajo de seis cuerdas de Jackson era engullido casi en todo momento por la energica forma de tocar de Hiromi.

Tras Voice Hiromi se puso de pie para recibir el aplauso del público, cogió el micrófono nos dió la bienvenida y nos presentó su siguiente tema: Now or never.
Now or never
es uno de los temas que más me llamó la atención cuando, muy de pasada, escuché el disco antes de ir a verla. Es un tema tremendamente divertido, en el que al principio alterna la majestuosidad de su piano con el toque divertido de su Nord Lead. Cuando se centra exclusivamente en el piano, llega un momento en el se deja llevar totalmente y vive la música como solo ella sabe hacer: dando patadas y saltitos mientras toca el piano y alcanza una velocidad, seguramente, muy próxima a la de la luz.
Lo mejor del tema, sin lugar a dudas, las imitaciones que hacía Hiromi con su sintetizador de las notas que tocaba Anthony Jackson en su bajo (en el video, en el minuto 7:39)

Video del festival Heineken Jazzaldia, celebrado el 24 de Julio, un día después del concierto de San Javier. El video pertenece a Distrito Jazz

Y... ¡otro temita del nuevo! Desilusion es toda una delicia, con un estribillo algo nostálgico y mágico.
Es el tema quizás más sobrio, y el piano de Hiromi deja brillar por fin a Anthony Jackson, cuyo bajo adquiere un protagonismo en la distancia y da una clase especial al tema. A mitad del tema, bajo la oscuridad machacona de Jackson y el piano moderado de Hiromi aparece el ritmo intenso del espectacular doble bombo del gran Simon Philips que resuena por todo el Auditorio y hace que el público rompa en aplausos
Labyrinth, fue otro derroche de virtuosismo y rapidez. Pese a que parece que es un tema más pausado, las pequeñas manos de la japonesa recorrian el piano alcanzando velocidades alucinantes, embobando al público y dejando nuestros corazones al borde del infarto por tratar de amoldarse a semejante ritmo.

Beethoven's Piano Sonata No. 8, Pathetique baja definitivamente el ritmo del concierto. Es hora de tomar un respiro, y disfrutar de forma pausada de la gran versión del maestro que nuestra querida Hiromi nos regala.
Y tras recibir los aplausos, Hiromi se queda sola en el escenario y nos toca una de las canciones más íntimas de su nuevo disco: Haze, un estupendísimo trabajo con el que hizo que el público contiviese la respiración para saborear la mágia y la serenidad que sudaba cada nota que los dedos de Hiromi acariciaban.
Fue un tema muy aplaudido, el público se puso en pie aplaudiendo emocionado mientras que Jackson y Philips volvían al escenario para continuar.


Y, un cambio de ritmo total, Dancando No Paraiso, de su disco Another Mind en el que el trio nos contagió las ganas de bailar (o mover la cabeza y el piececillo, que estabamos sentados). Nuevamente Philips e Hiromi suben la velocidad y se nota la química especial entre ellos, lo bien que han congeniado, lo bien que acompaña una batería de corte más rock con el piano maravilloso de la japonesa. Dejan el tema a medio, e Hiromi se pone de pie y se coloca junto a Jackson para contemplar de primera mano el fabuloso solo de batería de Simon Philips.

En definitiva, Hiromi fue una niña prodigio, alumna de Ahmad Jamal y Oscar Peterson... y el sábado en San Javier nos demostró que a sus 32 añitos ya tiene todas las papeletas para conventirse en una leyenda del Jazz de nuestros días. No sólo se muestra como una virtuosa, sino que vive y siente cada nota. Su carisma y su entusiasmo se contagian por vía de su expresión corporal, y su sonrisa y su alegría nos hacen entender que pese a su profesionalidad y maestría, para ella no es solo lo que le da de comer, sino que es su vida, su hobbie, su pasión. Hiromi es música. Hiromi es Jazz... otra forma de entender el Jazz... y con este nuevo trío, la perfecta unión entre tres cunas del Jazz (Nueva York, Londres y Japón) nos convenció absolutamente de que ante su presencia solo podemos aplaudir y admirar el derroche de talento que regala a quien se atreva a escucharla.

Espero que vuelva en próximas ediciones del Festival de Jazz de San Javier, porque todas las veces que vuelva yo volveré a repetir.